MUNDO ESTRANHO DE PB

Alexander Laszlo/Dr. Samuel J. Hoffman - The Secret Music of China - USA - 1947

2011-07-10T18:34:00.006-03:00

Essa é uma boa dica pra quem curte o Theremin e especificamente

seu célebre intérprete Dr. Samuel J. Hoffman.

Alexander Laszlo nasceu em Budapest, Hungria, em 22 de

novembro de 1895 e morreu em Los Angeles no dia 17 de novembro

de 1970.

Compositor, pianista, maestro, produtor e inventor de um aparelho

chamado Colorlight, que segundo o IMDB, era capaz de produzir musica

à partir de cores e foi apresentado no festival de Música de Kiel em 1924.

começou como Concertista até se tornar cidadão americano

e se envolver com trilhas de cinema de

filmes de Sci-Fi e Terror nos anos 50 como:

Attack of the Giant Leeches (1959)

Beast from Haunted Cave (1959)

Forbidden Island (1959)

Ghost of the China Sea (1958)

Night of the Blood Beast (1958)

Esse disco, que antecede esse período, já tem uma pincelada desse

estilo musical mainstream da época, mesmo se tratando de um

tema bastante curioso e bizarro, paralelamente ao trabalho de

Les Baxter e Martin Denny que surfavam

na onda do gênero musical EXOTICA.

No mesmo ano que esse disco foi produzido, Les Baxter lançava

seus discos de Theremin, onde tinham em comum o mesmo Theremista.

Lembrando que nessa época os discos eram de 78 RPM.

As versões em 10 polegadas foram relançamentos de 49.

Até recentemente esse disco era quase uma lenda, mas consegui descobrir

bastante coisa no site da maravilhosa LYDIA KAVINA.

O disco tem vários momentos de vozes faladas em Cantonês.

Me pergunto qual foi a motivação de Laszlo a produzir esse disco.

Provavelmente a mesma de Les Baxter com as ilhas do pacífico. MODA.

Sem mais delongas... mergulhe neste sinistro e exótico passeio a China.

tracklist:

01) Rape of Nanking

02) Pigeon Serenade

03 Yellow River

04) On a Flower Boat

05) Ghosts of the Great Wall

06) Cricket Fight

07) Jade Lady

08) Lantern Street

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2 CRUZEIROS DE BALA - TUA INVEJA TE CARCOMENDO OS OLHOS - JUIZ DE FORA - MINAS GERAIS - BRAZIL - 80's

2011-04-04T11:40:00.009-03:00

"Aperte o cinto, Garoto! Bem Vindo à Era do Constrangimento"

Numa cidade do interior de Minas Gerais chamada Juiz de Fora,

existia nos anos 80 uma forte cena de bandas de rock.

Umas mais conservadoras que outras.

O 2 Cruzeiros de Bala estava no extremo do que havia de inovador.

Éramos sarcásticos, críticos, dissonates, debochados, complexos,

barulhentos, resumindo, nossa música não era "Bonitinha".

Uma combinação estranha de influências dava o tom da coisa.

Quando eu conheci o Walter Willy por causa de uma amiga em

comum, o assunto não saía do nosso apreço pelo YES.

Ele também compunha e escrevia letras bastante criativas.

Nesse momento eu já tinha uma outra banda com outros amigos.

Um trabalho que tendia mais para o neoprog, apesar de nunca

termos ouvido essa expressão na época.

Mas não resisti montar uma nova banda com aquela criatura

estranha e agitada.

Com o Walter era possível de ir além, onde eu não conseguia

com meus outros amigos da outra banda.

Encontrei nele uma pessoa que estava interessada em conhecer

coisas novas ou mais obscuras, mesmo tudo terminando em YES.

Tocamos nuns eventos e festivais da cidade, mas a banda só

tomou forma mesmo quando Wagner Daibert assumiu o baixo.

Tivemos dois ótimos bateristas também, Serginho Mello e Gerson.

Vivíamos planejando shows, compondo, ensaiando à exaustão,

enquanto sonhavamos em ser descobertos por um selo.

3 bandas brasileiras nos inspiravam muito:

De Falla

Akira S e as Garotas que Erraram

Gueto

Mas o nosso grande norte passou à ser o Robert Fripp/King Crimson.

As exaustivas vezes que ouvimos o disco RED ou EXPOSURE

com certeza mudaram nossa vida pra sempre.

Mas estávamos enterrados entre as montanhas da Zona da Mata.

Nenhuma noção timbristica e de gravação.

Nossas tentativas em estúdio pareciam só piorar as composições.

Sem graça... sem sal...

Era uma época sem as facilidades que existem hoje, inclusive de

informações técnicas tão compartilhadas em revistas ou internet.

Os amplificadores eram um lixo e quase tínhamos que ligar tudo

num único. Imagine como o vocal ficava bom...

A coisa mais sofisticada que conseguíamos ter eram alguns pedais

da BOSS, mesmo assim emprestados de amigos.

Overdrive, Digital Delay e a merda do Chorus que fazia tudo parecer

THE CURE.

Na hora achávamos que fazia o som ficar na moda, mas dá nos nervos

ouvir isso hoje...

A vantagem é que tínhamos tempo pra ensaiar, e ensaiar, e assim

conseguir resultados surpreendentes de performance.

O material disponibilizado aqui é uma mistura de nossas parcas

incursões em estúdios fuleiros de Juiz De Fora e um ensaio na

casa do Serginho Baterista, gravado com o fabuloso "Jingombell",

microsystem que gravava super bem e em Stereo de nossa amiga

Ivanice (Nitchú).

Talvez seja a gravação que melhor registrou nossas qualidades.

Claro, pra hoje em dia, o som é uma merda completa.

Não sei à quem possa interessar esse registro hoje em dia, de uma

banda que, mesmo marcando sua presença numa cidade do interior

e nunca saindo de lá.

Mas me sinto na obrigação de compartilhar isso com o objetivo de

mostrar a todos que a História do Rock Brasileiro não é apenas

construído pelo que reverberou em grande escala, mas também nos

milhares de pequenos focos nos lugares mais inusitados.

Tracklist:

01 - bola esférica

02 - o mundo diante do meu olhar estrábico

03 - radio frequência livre

04 - ambulância parte 01

05 - ambulância parte 02

06 - paranóia relativa do ar

07 - so ma pissoa

08 - autofagia

09 - larks tongues in aspic parte IV

10 - morte ao falso metal

11 - brasileiros e brasileiras

12 - pão com manteiga (metamorfose do ornitorrinco)

13 - cárcere

14 - mal estar generalizado

15 - autofagia (estúdio)

morra de inveja e baixe aqui

BLACK TAPE CABRA CEGA - podcast 01 - Brasil/2010

2010-09-19T17:10:00.002-03:00

Em geral você é aquela pessoa que se ouvir uma música

interessante precisa urgente saber como ela chama, de

que disco ela é e de que artista?

Às vezes não parece mais que você é mais dependente

do vício da informação do que um apreciador de música?

Bem, minha proposta aqui é: ouça isso e divirta-se!

A velha brincadeira de CABRA CEGA.

Imagine aquela fita cassete sem nada anotado...

Com certeza a maioria das coisas são bem conhecidas.

Esse disco reúne em parte as últimas coisas que adquiri

recentemente, ou nem tão recente assim.

Está tudo mixado.

É uma viagem pelo mundo do vinil.

Tem trilha sonora, aliás começa com uma, tem banda atual,

tem disco mais atual de bandas antigas e tem, com certeza

algumas velharias.

Um exercício de audição às cegas e sem preconceitos.

Perfeito pra colocar no ipod ou no carro enquanto dirige-se

de um lugar à outro.

Ou simplesmente deixe rolando em casa enquanto vc

arruma as gavetas...

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CONCERTO PARA THEREMIN PREPARADO

2010-09-10T13:25:00.002-03:00

foto de : Gabriel Dietrich

Coletânea ZEROUM INFLUENCE PARTE UM - Brasil - 2010

2010-09-06T01:01:00.003-03:00

Esse post foi feito originalmente no blog de minha banda Zeroum:

http://01zeroum.blogspot.com

Em pleno processo de produção do nosso primeiro

disco, apresento aqui músicas e bandas que de

alguma forma influenciam ou apenas nos inspiram

em nossas próprias criações.

Uma mistura do lado mais Punk da eletrônica pop

dos anos 80 com a abertura da dissonância e o

ruído encontrados no rock experimentaldos anos 70.

Um olhar especial é dado à produção alemã, por um

mero interesse as formas mais minimais e repetitivas

da expressão da música pop, e não exatamente por

um afinidade cultural de forma mais ampla.

Acho que essa compilação reúne as bandas de maior

influência que o ZEROUM pode ter.

Além de conter a versão original da música "It's Rainy

Day, Sunshine Girl" do grupo FAUST no qual fazemos

ao vivo nossa versão.

Baixe, ouça e dê sua opinião.

1) Countdown - PETER THOMAS

2) Fyuz - ADD N TO (X)

3) A Brutal Light - TOOLS YOU CAN TRUST

4) Grünes Winkelkanu - PALAIS SCHAUMBURG

5) Messages Received - CABARET VOLTAIRE

6) Program - SILVER APPLES

7) Faceless - A CERTAIN RATIO

8) Contort Youself - JAMES WHITE AND THE BLACKS

9) P - adic - PHEW

10) Body Me - POLYROCK

11) Im Dschuguel Der Liebe - D.A.F.

12) Ghost Rider - SUICIDE

13) Eisbär - GRAUZONE

14) Papier - ABWÄRTS

15) Take Care - FAUST

16) Vom Himmel Hoch - KRAFTWERK

17) Prothese - CLUSTER

18) It's Rainy Day, Sunshine Girl - FAUST

19) 7:42" - CLUSTER

20) La Dusseldörf - LA DUSSELDÖRF

21) Klangkörper - MICHAEL ROTHER

22) Crashing - THE RESIDENTS & RENALDO AND THE LOAF

23) Future Days - CAN

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UM DIA, ALICE 2010 - 11 de Abril de 2010 - Cultura Inglesa

2010-04-01T17:56:00.003-03:00

UM DIA, ALICE 2010 video from paulo beto on Vimeo.

Um dia Alice – Evento Multimídia

Acontecerá no dia 11 de Abril.

Um dia repleto de atividades relacionadas a Alice no País das Maravilhas

Realização: Sociedade Lewis Carroll do Brasil. Apoio Cultural Inglesa.

Local: Centro Brasileiro Britânico
Endereço: Rua Ferreira De Araújo, 741
Tel.:(11) 3039-0500
Quando: (11/04) 16h00 às 20h00. Entrada gratuita.
umdialice.blogspot.com
@umdiaalice

Programação

16h00 - Recepção do público.

16h16 - Abertura.

16h25 - A história da criação do livro. Uma contadora de histórias
falará sobre o passeio de barco de Alice Liddell e Lewis Carroll em
1862, em que Lewis Carroll contou a história que daria origem à obra
“Alice no País das Maravilhas”.

16h40 - Palestra sobre Alice e seus ilustradores.
A designer e artista plástica Adriana Peliano fala sobre a história das
diferentes ilustrações de Alice no País das Maravilhas que já foram realizadas.
O passeio vai das ilustrações originais de Lewis Carroll e John Tenniel na
Inglaterra Vitoriana a experiências inovadoras de artistas contemporâneos.
A apresentação multimídia contará com ampla projeção de vídeos e imagens e
músicas.

17h20 - Leitura de carta inspirada em Alice.
A professora de literatura Thereza Vasques faz uma leitura da carta de
Paulo Mendes Campos para sua filha Maria da Graça sobre o livro de Alice.
O início da carta diz assim: “Este livro é doido, Maria, o sentido está está em ti.”

17h40 - Palestra sobre Lewis Carroll e o imaginário da cultura popular brasileira.
Palestra do escritor Wilson Bueno sobre Lewis Carroll e a obra “Alice no País das
Maravilhas”. Partindo de sua experiência no sertão aonde viveu até os sete anos,
a proposta do escritor é aproximar Lewis Carroll das adivinhas caipiras,
do nonsense do sertão profundo onde cobras cozinham bezerros e óculos novos
não têm aro nem lentes, mas são óculos novos. Uma palestra leve, engraçada,
brincalhona.

18h30 - ‘TEA BREAK’ A decoração do ‘Tea Break’ será temática, inspirada em
ícones do universo de Alice. Durante o ‘Tea Break’ haverá uma trilha sonora
ambiente de conteúdo temático. É vasto o repertório de músicas inspiradas na
obra de Lewis Carroll.

18h50 - Apresentação multimídia da obra "Menina Sonho" de Adriana Peliano.

19h10 - Trilha sonora ao vivo. Projeção do raro filme mudo 'Alice in Wonderland'
(1903) com trilha executada ao vivo pelo grupo Frame Circus. O grupo é formado
pelos artistas Paulo Beto, Tatá Aeroplano e Maurício Fleury.

19h25 - Jabberwocky em poesia, música e imagem. Apresentação interativa em
que o ilustrador Manuhell cria ao vivo uma ilustração para o poema de
Lewis Carroll, Jabberwocky. A ilustração que vai sendo criada é projetada em um
telão enquanto uma trilha sonora é improvisada pelo grupo Frame Circus.
Durante esse período o poema é cantado segundo uma versão musical de Donovan,
e em seguida, lido em português, nas traduções de Augusto de Campos (Jaguadarte)
e nas translações de Bráulio Tavares (Jararacorvo, Javaligátor e Javaleão).
Os poemas serão lidos pela professora de literatura Thereza Vasques.

20h00 - Encerramento.

PANORAMA ÁFRICA

2010-03-09T23:23:00.003-03:00

Apresento à todos uma nova maneira que bolei
para fazer novos posts: Os Panoramas.
Reunindo discos de um mesmo assunto e os disponibilizando
de uma só vez e de maneira mais dinâmica e objetiva.
Com muita honra apresento o que chamo de Panorama África.
Dirvintam-se com o rip destes discos originais gentilmente
cedidos da coleção particular do amigo Peter Price.

Oriental Brothers International Band
Led by F. Dansatch Opara

download

Franco Et Le T.P.O.K. Jazz En Colere
on entre o.k on sort k.o.

download

Chef Commander Ebenezer Obey and his inter-reformers band
Current Affairs

download

Alhaji (chief) Kollington Ayinla
"oro idibo nigeria"

download

Chief (Dr.) Sikiru Aynde Barrister
Fuji Garbage

download

Kollington Ayinta
Megastar

download

À todos os irmãos africanos e descendentes!!!!

Música Eletroacústica (TIME) - Jóvenes Compositores Cubanos - 1987 - CUBA

2010-03-07T18:47:00.004-03:00

Time nesse caso não é tempo em inglês ou Time de Futebol.
Taller ICAP de Música Eletroacústica.
Taller é uma palavra em espanhol para WORKSHOP.
ICAP é um outra sigla, o que torna as coisas bem curiosas,
uma sigla dentro de outra sigla, confeço que nunca tinha visto isso,
mas que seu significado já foi referido no post anterior:
Instituto Cubano de Amistad con los Pueblos.
O que prova que os Cubanos possuem uma lógica muito peculiar
para siglas.
Independentes de qualquer sigla, as atividades do ICAP com o seu TIME,
sob a orientação do diretor de estúdio Juan Blanco, está em atividade
desde 1983, onde jovens estudam, trabalham, criam grupos e
desenvolvem trabalhos de interesse na área de Música Eletroacústica.
Este é mais um disco dedicado à este assunto e resolvi postá-lo
como complemento do assunto, dada a sua raridade.

EL OTRO HUEVO DE LA SERPIENTE
Fernando Rodriguez (ICAP - 1984)

O título, claro, faz uma referência ao filme de Ingmar Bergman:
"O Ovo da Serpente" que é sobre o massacre dos Judeus pelos
Nazistas na Segunda Grande Guerra.
O compositor faz uma referência à contemporâneos fatos similares
conhecidos como "O Massacre de Sabra e Chatila"
(em árabe: مذبحة صبرا وشاتيلا‎, transl. Maḏbaḥat Ṣabrā wa Shātīlā)
foi o morticínio de refugiados civis palestinos e libaneses
perpetrado por milicianos das Forças Libanesas após o assassinato
do presidente-eleito do país e líder falangista, Bachir Gemayel.
O evento ocorreu nos campos palestinos de Sabra (صبرا, Sabrā)
e Shatila (وشاتيلا, Shātīlā), situados na periferia de Beirute, a sul da cidade,
área que se encontrava então sob proteção das forças armadas de Israel.
O massacre ocorreu em uma área diretamente controlada pelo exército
israelense, durante a Invasão do Líbano de 1982, entre 16 e 18 de
setembro daquele ano.
A Corte Suprema de Israel considerou o Ministro da Defesa do país,
Ariel Sharon, pessoalmente responsável pelo massacre, por ter falhado
na proteção aos refugiados.
O número de vítimas não é bem conhecido e, conforme a fonte,
a estimativa pode variar de algumas centenas a 3.500 pessoas.
Sharon, quando candidato a primeiro-ministro de Israel, lamentou
as mortes e negou qualquer responsabilidade.
A repercussão do massacre, entretanto, fez com que fosse demitido
do cargo de Ministro da Defesa, na época.

Falando sobre a música, Fernando Rodriguez utiliza alguns trechos
da obra de Arnold Schoenberg intitulada:
"Um Sobrevivente de Varsóvia, Op. 46 (em alemão:
Ein Überlebender aus Warschau)" e o reprocessa utilizando um vocoder
cujo resultado é misturado à camadas de sons sintéticos.
A obra original de Schoenberg tem duração muito breve:
entre 6 e 7 minutos.
É considerada por muitos críticos uma das mais importantes obras
musicais dedicadas ao holocausto.
O compositor Cubano cria um ambiente sonoro no qual pretende
demonstrar seu repúdio a todo tipo de genocídio e parece sugerir
uma mensagem de paz e harmonia ao terminar sua peça com um
sonoro acorde de LA Maior.

NIDIA
José Manoel Garcia Suárez (ICAP - 1984)

Trabalho realizado sobre material acústico e eletrônico modificado
e editado baseado nos velhos recursos que deram origem a linguagem.
Nidia é uma misteriosa garota que se materializa fugazmente nas
brumas sonoras.
A peça tem mesmo um certo tom fantasmagórico e ainda termina
com um sutil som de grito feminino.

EL PELDAÑO OMITIDO
Miguel Bonaches (ICAP - 1984)

Obra inspirada no poema CRIME em BARBADOS de Angel Escobar sobre
a sabotagem que gerou a queda de um avião cubano provocando a
morte de um grande número de pessoas, que em sua maioria eram
cubanos.
O título da música corresponde à um dos versos do poema e o material
sonoro produzido foi feito à partir de material acústico utilizando
um violão somado à material sintetizado eletronicamente e modificado
em estúdio.

EL PRIMER ABRAZO
Mirtha de la Torre (ICAP - 1984)

Aqui temos uma mulher compositora Cubana que inspira sua obra
num poema com mesmo título de sua própria autoria.
Mais uma vez, outra obra criada à partir de material acústico e eletrônico
e modificado e editado em estúdio.

São mais 4 obras de TAPE MUSIC de origem dos nossos Hermanos de
CUBA. Espero que apreciem e saibam valorizar a raridade que aqui se
disponibiliza.
Mais uma vez agradeçam ao amigo e colaborador Agnaldo Mori que cedeu
este material de seu próprio acervo.

Download

Música Eletroacústica Cubana - CUBA - 1984

2010-03-05T10:13:00.006-03:00

Este disco é apresentado como o auge dos resultados da
Música Eletroacústica cubana no início dos anos 80.
Um grande investimento por parte de artistas, compositores
e do próprio governo cubano resultou num enorme
orgulho pelos méritos obtidos em festivais internacionais da
linguagem musical referida.
Este LP apresenta obras vencedoras no XII Concurso Internacional
de Música Eletroacústica de Bourges e na I Tribuna Internacional
de Música Eletroacústica em Paris no ano de 1984.

TRES DE DOS (22'10)
(PARA FITA MAGNÉTICA))
Edesio Alejandro e Juan Piñera

São três partes realizados por dois compositores: Edesio Alejandro
e Juan Piñera. Trata-se de material elaborado com sintese eletrônica
misturado a sons acústicos reprocessados.
É uma música que flui de maneira poética numa transformação do
sintético para o orgânico.
Em sua primeira parte Harmônicos similares se encontram, oscilam,
se chocam, alcançam climax e retornam a sua origem.
Na segunda parte uma atmosfera romântica de desenrola até que
é acrescida de sons de sinos dentro de uma esfera multitonal.
A terceira parte se desenrola sobre um pedal sonoro onde fluem
elementos em forma contrapontística que, por associação de imagens
remete ao mar e a gaivotas.
Essa obra ganhou o primeiro prêmio "ex-aequo" em música eletroacústica
analógica no XXI Concurso de Música Eletroacústica de Bouges de 1984 e
foi realizada no estúdio do "Instituto Cubano de Amstad con Los Pueblos"
(ICAP) en La Habana.

HALLEY 86 (11'35)
(PARA FITA MAGNÉTICA)
Julio Roloff

Trata-se de uma visão poética da passagem do Cometa Halley pela Terra
e seu avistamento em 1986.
Essa obra foi composta 2 anos antes do fenômeno acontecer.
As características dessa obra são:
Um amplo range dinâmico e um particular manejo com as durações dentro
de uma sensível estrutura e com uma incrível economia de recursos que são,
por sua vez levados ao extremo.
Foi realizada em Fevereiro de 1984 nos Estúdios do "Instituto Cubano de Arte
e Industria Cinematográfica" e com a colaboração de Ricardo Istueta como
Engenheiro de Som.
Essa obra foi selecionada na I Tribuna Internacional de Música Eletroacustica
organizada em 1984 em Paris pelo CIME e pala UNESCO.

RITUAL (9'36)
(PARA FITA MAGNÉTICA)
Juan Marcos Blanco

Essa peça apresenta um grande dinamismo rítmico com uma rica variedade
timbrística numa transformação expansiva.
Uma camada central de tranqüilidade contrasta com interferências agitadas.
A obra é elaborada com materiais básicos obtidos com sintese eletrônica
analógica modificados e editados estruturalmente nos estúdios da ICAP.
Essa obra também foi selecionada na I Tribuna Internacional de Música Eletroacustica
organizada em 1984 em Paris pelo CIME e pala UNESCO.

Esse disco chaga aqui até nós graças à viagem do amigo Agnaldo Mori à CUBA
no final dos anos 80, onde encontrou esse LP sendo vendido na rua.

ouça aqui

Vem mais CUBANOS por aí!!!!
aguarde!!!!

ESPECIAL CARNAVAL - Brasil - 2010

2010-02-15T01:54:00.003-02:00

Carnaval em São Paulo é a melhor época do ano!
Todos os babacas foram pro Rio ou pra Bahia.
A cidade fica uma maravilha.
Até agora não choveu, o que já é ótimo, mas faz calor pra casseta.
E nesse clima de calor e falta do que fazer vai essa coletâneazinha pressão.
Essa tá simplesmente arrasadora, sente o clima:

01) romance de uma caveira/os iguais
Essa é a versão original daquela musiquinha que sempre alguém sabe cantar
só a primeira frase. Pra começar arrepiando!

02) pinga com limão/alvarenga e ranchinho
Outro registro original de música que todos lembram só do refrão.
Com certeza combina com carnaval, nêgo tirando de espertinho
e enchendo a cara. Bonito é vomitando depois...

03) garota barra limpa/waldecyr lima
Babaca tirando onda com garotas. Do tipo que não come ninguém.

04) o calunga/os românticos
Aaaah, agora fez sentido... calunga... Kalunga
O calunga não levou seus brinquedos mas resolveu investir em produtor
ligados à informática e papelaria e dessa forma leva a sua grana.

05) a gargalhada/nelson gordim com os anjos
Versão original que foi eternizada pelo mestre supremo
Ronnie Cócegas (padroeiro desse blog).
As risadas dessa versão são mais hardcore.

06) rapaz moderno/ted boy marino
portunhol maravilhoso do ídolo das multidões e lutador de
telesketch e ex-trapalhões de didi mocó...

07) a diligência/artiz artoni
Babaquinha se achando...

08) a perereca da vizinha/dercy gonçalves
Puta que pariu...

09) é bom saber/as brasas
Banda de garotas é sempre essa coisinha...

10) estranheleza/aguilar e a banda performatica
O lingua plesa Aguilar (dublê de artista plástico) tira uma onda
com essa música de Arnaldo Antunes que era de sua banda.
Essas são as origens desse Titã. Parei por aqui.

11) ouriço/serguei
Me lembro do amigo Calanca me contando:
Ontem o Serguei me ligou dizendo "Calanca estou aqui
pelado em frente ao espelho de páu duro... eu quero
voltar ao rock'n'roll"
Gêêênio... Bicho muito louco

12) são benedito/tom zé (1965)
Imagino que essa seja uma das primeiras gravações de Tom Zé.
Musica bem divertida!

13) tema do hospital/walter franco e silvia maria
Outro grande gênio estreando.

14) mande um abraço pra velha/mutantes
momento muito interessante na carreira dos Mutantes.
Essa música foi apresentada no 7º Festival da Canção e lançada
no Lp do respectivo em 72.
Eles já tinham mellotron, hammond e minimoog nessa época.
a música é uma tiração de sarro com o fato deles nunca terem
ganho nada em nenhum festival de música brasileira.
Eles mandam um sambistico "abraço pra velha" dos jurados,
pra não dizer outra coisa.
Nítida influência de YES que abusa dos teclados e parece mesmo
xerocopiar a banda de John Anderson.
Mas mesmo fazendo um prog-cópia com qualidade a beldade da
banda, a dona RITA LEE preferiu sair em carreira solo.

15) betty davis eyes/the chipmunks
Presente dos deuses!!!!!

16) eu hoje vou me dar bem/piu piu de marapendi
Paródia baixo nível baixo leblon de BLITZ.
Excelente!!! Isso eu entendo!

17) il guarany/alan and his orchestra
A versão definitiva de Carlos Gomes.

Agora é só agitar.
Cada um com seus pobrema...

baixe aqui

PTOL - AOOL - BRASIL - 2010

2010-01-31T22:56:00.004-02:00

O que pode acontecer quando dois amigos malucos
se encontram?
Sábado, 30 de Janeiro, noite.
Pedimos um lanche e logo após sacamos nossos
dispositivos portáteis de produzir som.
Ligamos à um gravador de CD de mesa e mandamos
ver em 5 temas criados instantaneamente.
Falo de mim e do amigo Agnaldo Mori.
O nome do disco e do projeto veio da combinação
aleatória de um dos aplicativos que usamos chamado
TOPLAPapp.
Que estas músicas sejam uma boa surpresa pra vocês
como foram para nós.

tracklist:

01 - trilo bit
02 - pescando com john cage
03 - fairy hilaire
04 - lightsaber
05 - horizonte dos eventos

baixe aqui

70's SYNTH BRAZUKA - Só as Boas Series - Brasil - 2010

2010-01-30T07:10:00.005-02:00

Inaugurando uma nova série nesse Mundo Estranho,
Só as Boas reúne o que há de melhor em poucos discos
escolhidos e agrupados por um assunto determinado.
Nesse caso presenteio à vocês com o que há de melhor
de Synthexploitation Brasileiro.
Muito provavelmente inspirados em artistas internacionais
como Mort Garson, Jean-Jacques Perrey ou Gershon Kingsley,
alguns brasileiros lançaram toda sua ginga pra brincar com
os fantásticos sons dos sintetizadores citando clássicos da
música brasileira e obras internacionais.
O primeiro é um achado:
BANDA ELÉTRICA.
A capa do disco não fala claramente quem é o responsável
pelo trabalho e nem sequer cita os músicos.
Pode com certeza ter artistas conhecidos tocando.
O selo é CONTINENTAL e o ano de lançamento 1973.
Mas, para nosso deleite, é citado o sintetizador utilizado:
Um SYNTH A EMS conectado à um teclado DK-I.

Isso é um exemplo claro de que os famosos discos de "MOOG"
nem sempre eram criados com os sintetizadores MOOG
propriamente ditos, mas com muitos de seus concorrentes.
A portabilidade do SYNTH A com certeza interferiu em sua
entrada ao Brasil e isso acabou possibilitando a produção
deste que, com certeza é um dos primeiros discos à usar
sintetizador no Brasil, principalmente com destaque.
Diretor de Produção: Ramalho Neto.
Produção Artística: Ademir
Cordenação de Produção: Júlio Nagib
Arte da Capa: Sérgio Grecu.
Curiosamente esse disco tem composições inéditas
pensadas no sintetizador. Uma delas, encontrada aqui, se
chama MUG-UG, uma clara referência ao "nosso adorado".

O próximo disco também é um clássico da linguagem.
RENATO MENDES - ELECTRONICUS "música brasileira
interpretada em moog Sinthesizer".
O disco é de 1974, um ano após o BANDA ELÉTRICA.
A capa já trás informação pra caramba desse que é
um autêntico disco de MOOG.

Mas sua aparência deixa à desejar.
Vale por colocar o Minimoog Model E.L. em primeiro
plano, mas a qualidade da foto e a imagem de fundo
que simula um clichê de lugar exótico espacial, caga tudo.
Renato Mendes que era um tecladista bastante respeitado
em sua época gastou 217 horas gravando esse disco
que foram alternadas nos "Estúdio Prova" e "Estúdios Reúnidos".
Foi um processo muito trabalhoso.
Gravado em 8 canais, além da bateria executada por
NORIVAL RICARDO D'ANGELO, o resto todo é som do Minimoog
que apenas emite uma nota de cada vez.
Toda a harmonia foi construída num processo que na época
era conhecido por "reduções", que consiste em ir pré-mixando
várias pista numa única e depois ir re-aproveitando novamente as
mesmas. Nos anos 80 esse processo era conhecido por "ping pong".
O povo do selo RGE discos que lançou essa maravilha ficou muito
empolgado com este lançamento.
Ainda era uma grande novidade no mercado brasileiro que prometia
um futuro na música brasileira.
Sabe-se que os desdobramentos não foram bem estes.

O terceiro contido nessa série é do já consagrado J. T. Meireles,
aqui apresentando se como "MEIRELES E SUA ORQUESTRA".
Do mesmo ano de 1974, o disco foi lançado pela EMI brasileira.
Nenhum músico intérprete é citado na capa do disco.
Diz apenas que a orquestração e regência é do próprio e a direção
musical é do incrível maestro GAYA.
Meireles se valeu do charme e da sofisticação do sintetizador, mas o
disco não chega a ser um puro disco de "MOOG".
Apenas algumas faixas tem a presença do "bicho", mas são faixas
memoráveis.
Por ser um disco mais conhecido, me bastei citando apenas dois
momentos e dando prioridade aos outros.
Aproveitem essa beleza de um Brasil Futurista!!!!

Tracklist:
01 - dança ritual del fuego/banda elétrica
02 - marcha da quarta feira de cinzas/renato mendes
03 - na baixa do sapateiro/meireles
04 - a montanha/banda elétrica
05 - a banda/renato mendes
06 - also sprech zarathustra/meireles
07 - bolinha de sabão/renato mendes
08 - mug-ug/banda elétrica
09 - desafinado/renato mendes
10 - tico tico no fubá/banda elétrica
11 - a noite do meu bem/renato mendes
12 - aquarela do brasil/banda elétrica

BAIXE AQUI

Psico Periferia - Amargurado, Triste e Sozinho - Brasil - 2010

2010-01-18T01:47:00.007-02:00

O último sábado antes do Natal de 2009 talvez tenha sido o dia do
ano que dei mais risadas.
Convidei dois bons amigos pruma visita na minha casa para ouvir
som e jogar conversa fora. Yupo e Agnaldo.
Acabamos por nos concentrar num pequeno lote de compactos
que a grande lenda viva do mundo dos disqueiros de São Paulo, ELVIS,
deixou comigo para que eu analisasse pra uma possível compra.
Ao ouvir melhor esses compactos com os amigos, percebemos que
eram obras primas da bizarrice autêntica Brasileira.
Dou a palavra ao Agnaldo que explicará melhor:

AMARGURADO, TRISTE E SOZINHO – É uma compilação das desventuras
dos músicos da periferia de São Paulo em busca da fama e do sucesso.
A maioria das gravações são de produtoras independentes, ou seja,
dos próprios músicos. Os discos, geralmente compactos duplos,
eram a porta de entrada desses músicos no mercado fonográfico.
Quase todos os discos dessa compilação são de meados dos anos 80
e as gravadoras são em sua maioria da Rua Cásper Libero e da
Avenida Rio Branco em São Paulo. Nessas ruas da Boca do Lixo de
São Paulo, nos anos 80 existiam também várias distribuidoras de discos
e inúmeras lojas onde se podiam comprar encalhes e todo tipo de
vinil de 5ª categoria...
Aqui podemos ouvir a tentativa de se clonar os sucessos da época,
bem como dos ídolos eternos como Roberto Carlos, Odair José,
Milionário e José Rico, Amado Batista, Waldik Soriano e Raimundo Soldado,
dentre outros... O estilo vai desde a jovem guarda passando pelo brega e
com pitadas de disco e de musica mexicana. O mais importante disso tudo é
ver a pretensão desses artistas em tentar entrar para o show bussines, com
gravações toscas e de produção semi-artesanal, e de um outro lado, a
utilização de um discurso de uma camada social que saia do lumpesinato.
Pelas capas dos compactos vemos pessoas simples, que provavelmente são
pedreiros, entregadores, ajudantes ou simples trabalhadores braçais,
mas que tiveram a gana de enfrentar os desafios da Indústria Cultural e
de tentar fazer parte dela. Outro aspecto relevante, é que são produções
custeadas pelos próprios artistas que acreditaram neles mesmos e que não
foram atrás da facilidade do patrocínio governamental, bem como de assaltar
os cofres públicos para satisfazer os seus próprios interesses com projetos.
Enfim, como até hoje são desconhecidos, tudo terminou em fracasso...
pois todos eram feios, sujos e malvados. Esperamos que essa pequena
amostragem seja uma homenagem ao esforço e a ilusão de querer fazer arte.

Texto de Agnaldo Mori

Tracklist:

01 - cisco no tanque/Zé Alves
02 - cachorro é você/João Bosco
03 - agora é só amor/Edval Rafael
04 - anticonsepcionais/Luiz Heleno
05 - dia dos namorados/Nivaldo Targas
06 - empregada doméstica/Catui
07 - eu banquei o gostoso/Zé Alves
08 - falta de vergonha/Sidney Roberto
09 - festa do tá doendo ai/Lasaro
10 - funcionária exemplar/Walter José
11 - garota da lanchonete/Japecanga
12 - o marmanjo levou/Mirian Cunha
13 - o ultimo homem da sua vida/Lúcio Flávio
14 - passat/Geraldão da Colina
15 - prostituta eroina/Catui
16 - um virus na neblina (gasolina)/Paulo Mamedi
17 - você não é cega/Gesildo Calixto
18 - coquetel no céu/Geraldão da Colina

Galeria de Capas, ou Circo dos Horrores:

Esse disco tem uma capa ótima, inclusive é o único que
merece mostrar a contra-capa também (abaixo).
Pena que nenhuma música boa para entrar na coletânea...

baxe aqui

JON APPLETON, HAPPY BIRTHDAY!!! por Vanderlei Lucentini

2010-01-07T00:30:00.004-02:00

Jon Appleton

Jon Appleton completou no dia 04/01 71 anos. Mesmo não tendo sido convidado
para essa festa, resolvi aparecer de bicão. Encontrei Jon pela última vez
na solidão do aeroporto de Cumbica em meio a um clima de medo,
temor-morte pós 11 de setembro. Num mundo protegido por muralhas e cercado
por arames farpados.
Momento diametralmente oposto ao que convivemos, por pouco tempo, nos Estados
Unidos sob a atmosfera politicamente correta, em voga, dos tempos de Bill Clinton.
Respiramos um pouco aliviado, talvez eu seja um privilegiado, ou me sentia assim,
em ter conhecido um cidadão-mundo tão intrigante, controvertido, contraditório,
idealista, apaixonado/apaixonante, gentil, rude, engraçado e principalmente uma
pessoa generosa com todos os estudantes que ele levou pra desenvolver as suas
potencialidades tecno musicais no
Bregman Studio do Dartmouth College em Hanover-NH.
Senhor de um grande carisma que envolve todos os que o cercam.
Um lovely guy andando no fio da navalha em toda sua existência,
talvez algum dia, também, num trem da Central (CPTM).
Estivemos envolvidos em muitas discussões estético-existencial,
aliás continuamos discutindo, só que hoje muito raramente.
Nesses papos cósmicos sonoros na atmosfera bucólica da Nova Inglaterra,
tivemos a oportunidade de flanar sobre muitos assuntos: o futuro da música,
(ou o fim da música eletroacústica?!?!?) as relações que cercam o poder, a política
internacional, os prazeres da carne, computadores, cognição e pesquisas acadêmicas.
Jon esteve algumas vezes no Brasil. Passou por São Paulo, Salvador, Curitiba e no
Embú na casa de Marlui Miranda. Como mostra as fotos abaixo...

O cara "pálida"

Jon ficou conhecido e reconhecido mundialmente pela invenção, juntamente
com Sidney Alonso e Cameron Jones do Synclavier, um sintetizador/workstation
digital que revolucionou a prática de fazer música. Synclavier que foi criado dentro
dos laboratórios do Dartmouth College, e posteriormente tornou-se uma iniciativa privada.
Sua utilização abrangeu um espectro que foi desde Michael Jackson (90% do álbum
Bad foi inteiramente gerado no Synclavier), passando por Oscar Peterson,
Laurie Anderson, Peter Gabriel, Frank Zappa chegando até as prática mais abstratas
experimentais dos estúdios de música eletroacústicas em muitas partes do mundo.

Zappa e o Synclavier

Quero falar, na verdade, um pouco da trajetória que ele desenvolveu como
compositor, professor e um dos maiores difusores da música eletroacústica.
Appleton é uma das poucos pessoas que pensaram profundamente as relações e
as implicações da tecnologia na música. Vai ser muito interessante conhecer
essa personalidade ímpar, para vislumbramos possiveis para um futuro próximo
para os nossos jovens músicos, que no presente momento estão envoltos
numa atmosfera provinciana, egóica e musicalmente inexpressiva.
Vamos nessa viagem, sem congestionamentos e alagões de fim de ano...

Little Bio

Jon Howard Appleton Howard nasceu em Los Angeles, California no dia 4 de janeiro
de 1939. É compositor, professor e um dos pioneiros da música eletroacústica.
Trafegando num meio sisudo que é o da música contemporânea (moderna),
Appleton inseriu alguns procedimentos que marcam a sensibilidade polissêmica
da nosso universo pós moderno. O humor, a paródia, a colagem, a paráfrase, a
perlaboração, a anamnese e a pulverização das constelações musicais.
Suas primeiras composições no meio, como, Chef d'Oeuvre e
Newark Airport Rock atraiu a atenção, pois estabeleceu uma nova vertente que
ficou conhecida como música eletrônica programático.

Primeiro estúdio de música eletrônica Dartmouth College (1967)

Em 1970 ele ganhou Guggenheim, Fulbright e as bolsas da
American-Scandinavian Foundation. Aos vinte e oito anos, ingressou no
Dartmouth College, onde ficou intermitentemente por quarenta e dois anos.
Nessa universidade, Appleton estabeleceu um dos primeiros estúdios de
música eletrônica nos Estados Unidos, conhecido como
Bregman Electronic Music Studio. Em meados da década de 1970,
deixou o Dartmouth College, e brevemente se tornou chefe da Stiftelsen
Elektronmusikstudion (SME), em Estocolmo, Suécia.

Sydney Alonso e Cameron Jones trabalhando no protótipo do Synclavier

Na década de 1970, juntamente com Sydney Alonso e Cameron Jones,
ajudou a desenvolver o primeiro sintetizador comercial digital chamado Synclavier.
A fim de mostrar esse novo sintetizador, passou uma década excursionando
pelos Estados Unidos e pela Europa executando as composições que ele
compôs para este instrumento.

Na estrada. Mesmo no Purple Haze todos temos um dia de Kombi

Nos anos 80, Appleton começou a compor, o que ele considera,
as suas mais significativas composições dentro da computer music e
live-electronic music. Muitos de seus trabalhos neste gênero tiveram
suas estréias em festivais, como os realizados anualmente pelo
Groupe de Musique Expérimentale de Bourges (França) e o Fylkingen em
Estocolmo, na Suécia.

Durante suas passagens por Bourges, Appleton se tornou membro fundador
da Confederação Internacional de Música Electroacústica. Estimulado pela sua
interação com compositores de outros países, criou uma organização similar nos
Estados Unidos, com a finalidade de difundir e elevar o status da música
eletroacústica dentro da hierarquia musical. Em 1984, juntamente com um
pequeno grupo de compositores que comungavam do mesma opinião,
Appleton ajudou a criar a Society for Electro-Acoustic Music in the United States
(Seamus), onde foi o seu presidente.

No verão de 1984, Appleton ajudou Moses Asch, fundador da Folkways Records,
la lançar suas primeiras gravações de música eletroacústica.
De acordo com os desejos de Asch, estas gravações continuam sendo
lançadas sob os auspícios da Smithsonian/Folkways.

I sing in the rain, ops... snow...

Na década de 90, demandou maior parte do seu tempo no exterior.
Na Russia, travou contato e implementou alguns centros de
desenvolvimento da música eletroacústica.
Em Moscou ajudou a fundar o Centro de Música Eletrônica
Theremin no Conservatório de Música de Moscou, onde leciona,
uma vez por ano.Appleton compôs, na mesma década, duas grandes
óperas para coro com 1500 crianças e orquestra profissional.
As obras, HOPI: La naissance de desert e Le Dernier Voyage de Jean-Gallup
de la Pérouse, foram regidas por Alain Joutard e encomendada pela
Delegation Departamental à la Musique et à la Danse do Consei General des
Alpes-Maritimes, em Nice, França. Foi professor na Universidade de Keio (Mita),
em Tóquio-Japão, CCRMA na Universidade de Stanford e na Universidade da
Califórnia em Santa Cruz. Em seus últimos anos dedicou parte do seu tempo à
composição de música instrumental e coral com uma coloração quasi romântica,
obra essa que tem sido amplamente executada na França, Rússia e Japão.

Ko Umezaki falando (abobrinhas?!) e Jon engolindo-as.
Papo cabeção é um saco em todo lugar.

Tendo fundado o programa de mestrado específico em música
eletroacústica no Dartmouth College com o compositor David Evan Jones,
em 1989, Appleton dedicou a maior parte do seu tempo dando aulas para
os alunos de mestrado neste programa. O objetivo do programa foi
combinar o estudo da composição, acústica, ciência da computação e
cognição musical. Ele acreditou que esta seria a sua grande contribuição
durante os quarenta e cinco anos como professor. Ele continua a manter
amizade com muitos de seus ex-alunos: Gerald Beauregard, Martin McKinney,
Ray Guillette, John Puterbaugh, Ted Coffey, Anu Kirk, Yuri Spitsyn, Ted Apel,
Kojiro Umezaki Steve Berkley, Vanderlei Lucentini (eu), Courtney Kennedy,
Ileana Perez , Kevin Parks, Colby Leider, Mateus B. Smith, Leslie Stone,
Tae Hong Park, Andrew Tomasulo, Paulo Botelho, Iroro Orife, Bruno Ruviaro,
Masaki Kubo, Will Haslett, Irina Escalante Chernova, Michael Chinen,
Kristina Wolfe, Aki Onda, Bill Russell Brunson e Pinkston.

Em 2009, Appleton aposentou-se do Dartmouth expressando
descontentamento e desentendimento com a direção acadêmica e administrativa.
O rolo compressor bushiniano chegou também as comunidades liberais acadêmicas.
Os espíritos não normatizados acabam sempre sendo expurgados em nome do
rigor burocrático. Nesse caso, o fantasma macartista que sempre ronda o
subconsciente norte-americano apareceu.
Os medíocres continuarão apertando parafusos até chegar a aposentadoria.
A história não será contado por eles...

Appleton, this is the way to play...

Obras (por ordem alfabética)
Apolliana (1970)
CCCP (In Memoriam: Anatoly Kuznetsov) (1969)
Ce que signifie la déclaration des droits de l'Homme et du citoyen de 1789
pour les hommes et les citoyens des îles Marquises (1989)
Chef d'œuvre (1967)
Degitaru Ongaku (1983)
Dima Dobralsa Domoy (1996)
Dr Quisling in Stockholm (1971)
Georganna's Fancy (1966)
Georganna's Farewell (1975)
Homage To Orpheus (1969)
Homenaje a Milanés (1987)
Human Music (1969)
In Deserto (1977)
In Medias Res (1978)
Mussems Sång (1976)
Newark Airport Rock (1969)
Oskuldens Dröm (1985)
'Otahiti (1973)
San Francisco Airport Rock (1996)
Spuyten Duyvil (1967)
Stereopticon (1972)
The Sydsing Camklang (1976)
Syntrophia (1977)
Times Square Times Ten (1969)
'U ha'amata 'atou 'i te himene (1996)
Yamanotesen To Ko (1997)
Zoetrope (1974)
e esse K7 aqui? não tá na Wikipedia...

Gravações (por ordem cronológica)
Times Square Times Ten (1969)
Syntonic Menagerie (1969)
Human Music (with Don Cherry) (1970)
The World Music Theatre of Jon Appleton (Folkways Records, 1974)
The Dartmouth Digital Synthesizer (Folkways, 1976)
Music for Synclavier and Other Digital Systems: With Jon Appleton, Composer (Folkways, 1978)
The Tale of William Mariner and The Snow Queen (1982)
Two Melodramas for Synclavier (Folkways, 1982)
Four Fantasies for Synclavier, (Folkways, 1982)
Contes de la mémoire (empreintes DIGITALes, IMED 9635, 1996)
Wunderbra! (with Achim Treu) (2003)
Syntonic Menagerie 2 (2003)

Kitsch Jon

Espero que tenham gostado. Em breve, teremos mais...

NOTA DO BLOGUEIRO:
Conheça o incrível blog do Vanderlei Lucentini:
http://matrizmaterial.blogspot.com

Clássicos da Fronteira Vol.3 por Marco Gaspari

2009-12-09T11:54:00.005-02:00

O Ano da França no Brasil encerrou sua programação em novembro,
mas como 2009 não acabou acho que ainda cabe uma pequena
contribuição às efemérides, como este

10 polegadas lançado em 1985 por ocasião da XVIII Bienal de São Paulo:

BERTRAND BOLTANSKI BUREN LAVIER SARKIS

LA FRANCE A LA BIENNALE – SÃO PAULO

O disco foi editado pela Association Française d’Action Artistique e a
seleção dos artistas foi feita pelo prestigiado jornalista/crítico de
arte/curador Michel Nuridsany que assim escreve no encarte:

O chato é que quando você pesquisa a respeito desta bolacha na net,
não chega a lugar nenhum. No site da Fundação Bienal é como se não
existisse e fica impossível contar sua historinha já que o disco, apesar
de conter um libreto bem servido sobre os artistas, é um pouco vago
sobre as faixas selecionadas.

Jean-Pierre Bertrand, Christian Boltanski, Daniel Buren, Bertrand Lavier
e Sarkis foram os artistas selecionados para representar a França
naquela edição da Bienal. O libreto traz textos de Michel Nuridsany
sobre eles - em francês, inglês e português - bem como reproduções
de suas obras.
No lado A temos as seguintes faixas:

BERTRAND

Un camion freine – Voiture de police – La musique passe

1985

SARKIS

“Sérénades opus II” pour 12 kornemuses a “Ma mémoire est ma patrie”

Kornemuse – Michel Aubry, 1985

(obs: Cornemuse pode ser traduzido como gaita de foles)

BOLTANSKI

Reconstitution de chansons qui ont été chantées a Christian Boltanski
entre 1944 et 1946

E no lado B:

LAVIER

Madrugada

Reine de Musette

1985

BUREN

L’Indicible

Texte Daniel Buren

Musique Loupideloupe

1985

(obs: consta que foi feita uma montagem especial do grupo
Loupideloupe para a Bienal, contendo as músicas Drupine e
Chez Pax, com textos de Daniel Buren ditos pelo autor e por
Georges Emmanuel. O grupo é formado por Bruno Courtin no
clarinete baixo, Frédéric Costa no sax tenor, Alexandre Meyer
na guitarra, Frédéric Minière no baixo e Mathieu Saladin na bateria)
BERTRAND

Un camion freine – Voiture de police – La musique passe

1985

Por alguma razão houve repetição da primeira faixa do lado A como
Terceira do lado B.
Como não existe diferença nenhuma no áudio, suprimimos essa
faixa nessa versão em mp3 que pode, como sempre, ser baixada aqui.

baixe aqui

É isso aí, 10 polegadas de diversão para vocês.

Marco Gaspari é dono da loja Mister Sebo e sabe nada sobre os discos que posta neste blog. Também escreve para a revista poeiraZine.

MUNDO JAPAHITS DE PB - Brasil - 2009

2009-11-09T21:27:00.004-02:00

Por umas décadas ficamos totalmente isolados do mundo POP de
outros países e com certeza com Japão não foi diferente.
Tudo que não vem dos países mais óbvios EUA, Inglaterra, França,
Itália e etc tende a parecer extremamente exótico para nós quando
o assunto é o pomposo mundo do POP.
A terra do sushi teve uma cena muito particular recheada de super
stars nos anos 70 que eram conhecidos como IDOLS.
Quase que a maioria esmagadora eram garotas.
No início garotas recatadas e boas moças, até que o duo PINK LADY
resolveu apimentar a cena trazendo sensualidade aos moldes ocidentais.
No fundo elas resolveram assumir que o que o pessoal queria mesmo
era SEXO.

PINK LADY

Agora, o que pouca gente sabe que no Japão POP dessa época a
industria funcionava de uma maneira bem peculiar.
Existiam as gravadoras que contratavam os compositores e prdutores
e todo cast daquele selo interpretava apenas canções desse time
de "song writers".
Um dos nomes mais famosos e responsável pelo repertório do selo
RCA foi KYOHEI TSUTSUMI, responsável por 6 canções dessa coletânea.
Essa era a maneira como a gravadora tentava manter o controle de
qualidade e suas regras de um tipo de controle mental.

Os rostos dessa juventude cantante foram muitos e infelizmente não
consigo nesse momento dar nome à todos pois as imagens abaixo
foram extraídas das capas de várias coletâneas que comprei curiosamente
não no bairro LIBERDADE de São Paulo, mas na MANCHESTER MINEIRA
também conhecida como JUIZ DE FORA.
Fato curioso pois não houve uma forte migração da colônia Japonesa
por aquelas bandas.
Essas coletâneas que deram origem à essa que apresento são de prensagem
local feitas para a comunidade NIPO/BRASILEIRA.
Com certeza, além de um negócio lucrativo, uma forma de atualizar e
se vincular aos processos culturais contemporâneos.
Infelizmente essas informações ficaram presas à colônia e não se tornaram
realmente populares no Brasil, apesar do primeiro disco do grupo
PINK LADY tenha saído oficialmente em nossas terras tropicais.
Talvez pela fato das meninas serem mais sem vergonhas e mais parecidas
com o gosto brazuka.
É um fato que este post não é nenhum tratado sobre o assunto, mas já é
uma deliciosa mostra dessas garotas sensacionais.
Arreste as cadeiras, prenda os cabelos com os pauzinhos do Sushi e dance
sem parar nessa velha e fresca onda Niponica!

Tracklist:
01 - shiroi heya/megumi asaoka *
02 - tokimeki/megumi asaoka *
03 - mirai/hiromi iwasaki *
04 - fantasy/hiromi iwasaki *
05 - futari monogatari/zoo
06 - sexy bus stop/yuko asano
07 - moon light taxi/yuko asano *
08 - kiss in the dark/pink lady
09 - refrain/nobora inoue
10 - sukidakara/nobora inoue
11 - monday monalisa club/pink lady
12 - sunshine superman/bibi *

* composições de KYOHEI TSUTSUMI

baixe aqui

Post com a colaboração do Mestre Yupo

Clássicos da Fronteira Vol.2 por Marco Gaspari

2009-11-02T14:25:00.008-02:00

Coletânea é uma expressão de origem latina, coisa que me deixa muito frustrado.

Fosse grega a sua origem, estaria explicado porque 87,55% dos discos coletânea são
verdadeiros presentes de grego.

Por outro lado sobram 12,45% de boas surpresas, uma quantidade mais do que
suficiente para animar qualquer um a encher o cantil e sair à caça do vinil perdido.

LEHRLINGE HALTEN ZUSAMMEN

Comprei este disco nos anos 80 basicamente pela capa, pelos cabeludos que aparecem
na foto da contracapa e, principalmente, pela participação do maravilhoso Floh de Cologne,
o único grupo que eu conhecia.

Como eu não sei lhufas de alemão, levei no escuro e é um
dos discos que eu tenho mais orgulho de possuir na minha coleção. Hoje em dia, graças à
internet, tenho alguma informação a respeito, mas ainda é bem pobrezinha.

O disco foi lançado pelo selo Plane em 1969 e parece que nunca foi oficialmente reeditado.
Como o Floh de Cologne, os outros grupos desta coletânea usam a sátira para dar forma a
discursos sarcásticos de forte inclinação socialista. Isto posto, nem é preciso dizer que aqui
o demônio é o capitalismo e que é imprescindível organizar toda a resistência possível
contra esse sistema malígno. Na contracapa existe um resumo de seis pontos levantados
por Karl Marx, o paladino mor da justiça social, na questão da juventude nas
sociedades capitalistas.

Mas o melhor do disco é que todo esse blá-blá-blá vem acompanhado de ótima música.
É krautrock em seus primórdios, uma pérola obscura para quem aprecia o gênero.

listen

NEUE DEUTSCHE POST AVANTGARDE – UMA AMOSTRAGEM DA MÚSICA ALEMÃ PÓS-MODERNA

Esta coletânea de música industrial foi lançada em 1987 aqui no Brasil e não deve ser
nenhuma novidade para muitos de vocês que passeiam por este blog.
Mas a historinha dela é interessante e merece ser registrada.

Ela é considerada na Europa uma das melhores compilações da cena industrial alemã
dos anos 80 e foi feita na Alemanha sob encomenda para o Instituto Goethe de São Paulo.

A edição é limitada a 2950 cópias e apenas 150 delas foram vendidas na Europa.

Segundo os colecionadores europeus, as 2800 cópias restantes estão “perdidas”,
provavelmente para sempre, nas selvas do nosso primitivo país.

Ela hoje é cotada por lá na base de 80 euros.

Se você, caro leitor ouvinte, possui uma cópia, guarde-a com carinho.
Caso ainda não tenha, vale a pena organizar um safári e procurar a sua.
Deve haver ainda algumas cópias dando sopa por aí a preços convidativos.
Só que é bom prestar atenção e ver se está encartado no disco o livretinho
que apresenta, em português, todas as bandas da coletânea.
Boa caçada.

listen

VIVA UNA EXPERIENCIA PSICOTOMIMÉTICA

Você está diante de um importante pedacinho da história do rock na Venezuela.
“Viva Una Experiencia Psicotomimética” não é apenas uma coletânea de grupos de
rock do país, a primeira a mostrar seus jovens valores em 1968, mas a prova material
de todo um projeto para uma série de concertos promocionais envolvendo efeitos de luz
e som psicodélicos para impressionar o público.

O disco foi gravado em mono e produzido por Jesús Pérez Perazzo que era não
apenas o regente da orquestra Venezuela Pop, como também gerente contratado
em 1967 pelo selo Fonograma para tirar a empresa do buraco em que se encontrava.
Perazzo era também consultor de uma clínica psiquiátrica e participava na época
de um projeto experimental na área de musicoterapia, estudando os efeitos da
música no ser humano. Sua idéia foi contratar grupos jovens desconhecidos e
gravá-los com acompanhamento de sua orquestra.
A tal de “Experiência Psicotomimética” seriam os shows ao vivo dessas bandas
sob os tais efeitos de luz e com a animação do popular locutor Cappy Donzella.
Os grupos que tivessem maior receptividade do público teriam seus discos gravados
e lançados pelo selo. Vários shows foram marcados e o primeiro foi um absoluto sucesso.
Os demais, porém, foram apresentando problemas e mais problemas até que
Perazzo desistiu da empreitada.
Voltando ao disco, não se trata da gravação de nenhum desses shows ao vivo,
mas uma montagem feita em estúdio utilizando sons de platéia ao vivo
para unir as músicas.
Mas o que seria o clima do espetáculo está todo registrado, até mesmo com
Cappy Donzela iniciando o disco com a seguinte locução:
"...verde 68, amarelo 14, azul branco 19... testando... neste momento nos apoderamos
de suas mentes... vocês vão viver uma experiência psicotomimética...".
A única coisa a lamentar aqui é que só uma música é original, interpretada pelo grupo
Los Memphis. Mas em compensação existem pérolas, como uma versão também de
Los Memphis para Nights In White Satin (Una Noche En Satín Blanco).

No ano seguinte o selo Fonograma lançou a “Segunda Experiencia Psicotomimética”
e hoje em dia é possível achar os dois discos em CD venezuelano.
Mas a experiência de ver o efeito do vinil com manchas coloridas girando no
toca-discos, só quem tem a bolacha original pode viver.

listen

DOS HORAS EN LIBERTAD – LA OPERA ROCK (COMIC)

Comprei esta fita cassete em Montevidéu lá pela metade dos anos 90 e ela
sempre foi um mistério para mim. Não consigo nenhuma referência na internet e
nem mesmo no ótimo livro de Fernando Peláez: De Las Cuevas Al Solís 1960/1975 –
Cronologia Del Rock En El Uruguay, ela é citada.
Mas é uma coletânea muito legal, que dá um pequeno exemplo do rock uruguaio
nos anos 70. Tem Montevideo Blues, Totem, Psiglo... e dois locutores que ficam
conversando entre as músicas, como se fosse um programa de rádio.
Se você souber algo a respeito, não deixe de me contar.

listen

Marco Gaspari é dono da loja Mister Sebo e tem zumbido nos ouvidos, como se o Pierre Henry fosse um hóspede permanente. Também escreve na revista poeiraZine.

Palhaço Carequinha - O Baile do Carequinha - Brasil - 1968

2009-10-17T00:52:00.004-03:00

Fudeu! Ligaram o Palhaço Carequinha no pedal Fuzz!!!!!
Acompanhado pela banda beat: OS FALCÕES REAIS da cidade de BARRA MANSA,
Carequinha é o mesmo de sempre, amigo da garotada e boa praça da ditadura.
A diferença desse disco é que ele estava na moda, ou seja, no ritmo do Yê-yê-yê.
Procurei esse disco por muito tempo. Pra mim era só uma lenda.
Mas ele existe mesmo e é bom pra caramba.
Alguns velhos sucessos do Palhaço e mais novas canções e interpretações.
A cereja do bolo é a última faixa "The Millonaire" com um arranjo que lembra
bandas como The Ventures e é totalmente instrumental.
Com certeza um agrado pra banda.
Aliás, esta banda chegou à acompanha-lo nesse período em seu programa de TV.
Agora, algo que realmente me intriga é o segundo integrante da esquerda para a
direita. Afinal, o que ele toca na banda?
Todos os outros estão posando em suas funções de forma bem clara, mas, e ele?
Será que dançava? Será que era o vocalista quando não tinha o Palhaço?
O coro infantil é formado por 8 crianças do "Pequenos Cantores da Guanabara",
com certeza um grupo coral da época.
Bem, pra quem preferir, chupem uma droga, coloquem o Carequinha no ipod e
saiam viajando na onda do Palhaço!
Podis crê, bicho!!!!!!

tracklist:
01 - dó-ré-mi
02 - tenta tatá
03 - eu vou cavando a mina
04 - gosto das crianças
05 - Lili (Hi-Lili, Hi -Lo)
06 - linda garotinha
07 - saudação a portugal
08 - a lâmpada de aladim
09 - o elefante e a formiguinha
10 - atrás de uma bola - essa faixa deu uma agarradinha. mil perdões.
11 - neném
12 - cavalinho branco
13 - the millionaire

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MAKI NOMIYA - Onna Tomodachi - Japan - 1981

2009-10-14T23:48:00.006-03:00

Mais uma vez Mestre Yupo nos brinda com mais uma pérola.
O primeiro compacto da carreira de MAKI NOMIYA, mais conhecida
no brasil como "a cantora do Pizzicato Five".
Mas não foi aí que sua carreira como cantora começou.
No final dos anos 70 mudando pra 80, ela e a maravilhosa JUN TOGAWA
eram como grupies da banda Moonriders cujo lider era KEIICHI SUZUKI.
Mais tarde tornaram-se backing vocals do grupo HALMENS que tinha como integrante
KOJI UENO que posteriormente fundou o GUERNICA.
Ambas garotas seguiram sua carreira solo.
Maki saiu à frente com este compacto e logo em seguida com seu álbum
"Pink no Kokoro" que acabou não emplacando sucesso.
Em contra partida sua amiga Jun ficou famosa mais cedo como vocalista do
grupo GUERNICA.

Anos mais tarde Maki Nomiya, que trabalhava como backing de estúdio
foi ser a 4º vocalista do grupo Pizzicato Five, justo um pouco antes da
banda assinar com o selo americano MATADOR, e foi quando a banda estourou.

Uma coisa curiosa sobre este compacto, como podemos supor mesmo sem
saber ler japonês é que a faixa principal foi trilha de um comercial aparentemente
de perfume ou algo semelhante.
Fiquei super surpreso de saber que esta maravilhosa cópia que pertence ao Yupo
não é um relançamento e sim o lançamento original, o que é raríssimo mesmo
no Japão, onde foi comprado, dado o seu estado impecável de conservação.
O precioso cuidado que os japoneses tem com seus discos.

Agradeçam todos ao grande Mestre por esta incrível oportunidade de serem menos
ignorantes.

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Post com a colaboração do Mestre Yupo

ANVIL FX LIVE - A CASA DOS MIL ANDARES

2009-10-07T23:57:00.003-03:00

Fui convidado pelo Gui Barrela para fazer um show
junto com o camarada PANETONE num evento da
Peligro chamado PELIGRO APRESENTA.
Quando eu soube que o esquema funcionaria com
20 minutos de cada um solo e mais 20 minutos de
parceria no palco, me deu vontade de me divertir
com o meu tempo.
Resolvi inventar um show conceitual que no fundo
é uma grande diversão aos moldes dos anos 70.
Como eu vou estar cercado pelos meus sintetizadores
vintage analógicos, resolvi incrementar convidando
mais dois amigos e fazer um show ao vivão com
tudo tocado e mais um monte de instrumentos
exóticos que tenho.
Os amigos são:
CARLOS GADELHA, compositor e guitarrista da banda
"Jardim das Horas"
DIEGO CARTIER, baterista e fanático por música
produzida nos anos 60 e 70.
O instrumental será aproximadamente:
1 Theremin
3 MOOGS
1 Santur
2 Violões acusticos
1 bateria
1 tambor xamânico
2 samplers
1 guitarra
e um jogo de taças de cristal

A nossa viagem se inspira num livro muito interessante
que recomendo à todos:
"A CASA DOS MIL ANDARES".
É considerado um livro surrealista escrito na década de 20
por um artista Tcheco chamado JAN WEISS.
Ao que me consta, existe apenas uma edição em português
mesmo assim de portugal, traduzido por Ernesto Sampaio e
editado pela Editorial Estampa.
Minha cópia foi impressa em Lisboa em abril de 1971.
A história conta sobre um homem que acorda, após um sonho
bizarro, deitado numa escadaria gigantesca coberta por um
tapete vermelho, sem saber onde estava, sem saber onde
daria aquela gigantesca escadaria.
Sem saber se subiria ou desceria.
Sem saber seu nome, sua vida e nem sequer como era a sua
própria aparência.
Com o tempo, revirando os próprios bolsos descobre que seu
nome é Pierre Brok e é um detetive com a missão de salvar
uma princesa aprisionada dentro daquele monstruoso
edificil onde cada andar equivale à uma cidade e é controlado
por uma figura misteriosa chama MULLER.
Detalhe, Pierre Brok descobre ser para os olhos alheios,
totalmente invisível...
Adoro livros surrealistas, hehehehe

Musicalmente, estaremos buscando nesses 20 minutos construir
diferentes climas absurdos e contrastantes, cuja emoção
provem da imaginação evocada pelo livro.

Gostaria de ver os amigos lá, afinal dá um puta trampo fazer
isso tudo.

A arte foi criada pela minha querida Adriana Peliano.

MUNDO 7 POLEGADAS DE PB - Brasil - 2009

2009-10-04T21:57:00.004-03:00

Vejam vocês o nível que chegou a minha obsessão por discos...
Agora estou revirando os lixos de São Paulo para encontrar "Pérolas".
Bem... pérolas também seria um exagero dizer, né?
Músicas divertidas, suficientemente ofensivas às vezes.
Nesse sábado fui visitar aquela loja que todo mundo conhece por
tratar seus discos como tratam seus funcionários, ou seja, como LIXO.
Munido de meu toca-disco portátil, fiquei pacientemente ouvindo
uma mísera caixa de compactos que a loja guarda no chão e que
acabam mofando ou grudando com a umidade da água que eles jogam
no chão à cada 2 anos...
Felizmente estava de fone de ouvido, porque, pra variar, o funcionário
estava esculachando o subalterno com toda sua fúria e a música na
orelha me poupava um pouco do baixo astral...
Curioso foi quando localizei alguns discos absolutamente impraticáveis
de se ouvir e os entreguei ao funcionário dizendo:
acho que estes aqui podem ir pro lixo, né?
no que ele respondeu:
"no lixo eu não digo... vou passar pro meu chefe pra ele decidir"
COMO ASSIM? A merda dos discos estão quebrados!!!!!
Vai fazer o quê com aquilo???????? huahauhauahua

Um dos primeiro que encontrei que me interessou foi de Moog!
Sim, isso mesmo, encontrei até disco de Moog.
Disco de Moog quinto escalão, mas...

01 - Bullfrog Legs (la rana)/Cash & Carry
Grupo belga de quinta categoria!
Começou bem!!!!

Seguindo... algo bem ofensivo...

02 - Birdie Num Num/The Entertainers

Essa banda cafona faz uma referência ao personagem
Indu interpretado por Peter Sellers no filme "Um Convidado
Bem Trapalhão".
Aqui um idiota fica imitando a imitação impagável de Sellers
dizendo "Birdie Num Num... Birdie Num Num..." pffffffff
Me convenceu na hora à comprar!

03 - Swing is The Thing/The Deep River Quartet

Esse compacto pra mim foi um grande achado porque
eu adoro Swing e esse disco é bem bacaninha.

04 - Ma-Ma-Du/Les Chakachas

A capa desse chamou a atenção!
Música latina é sempre bem vinda dessa época.

05 - La Mula/Rudy Rickson

Esse combina demais com as bobagens que eu adoro.
Swing com cantor italiano machista no melhor estilo
de Fred Buscaglioni. Sensacional!!!!

06 - Papa Bully/Love Collection starring Jean Sharon

Sente o nível das bruacas da capa!
Mas a faixa que selecionei é um Electro Disco bem legal.
Valeu à pena revirar o lixo.

07 - Favoritten-Spiritual/Herr Inspekta Singens Was

Também curto esse estilo de canção alemã.
Algo me diz que se trata de música humorística.
Tinha um monte deles lá. Alguns apenas falado.
A capa desse eu acho realmente linda!

08 - Capital Tropical/Two Man Sound

Disco picareta Mexicana é seeempre bem vinda!!!!!

09 - La Notte É Piccola/Le Gemelle Kessler

Louge Italiano, ou cantado em italiano também
é sempre Hit em potencial na minha coleção.
O figurino dessas aí é sensacional!!!!!

10 - Yoshua/Aric Lavie

Essa música realmente eu adorei!
O fato de ser cantada em Hebraico torna ela
ainda mais sensacional!!!!!!

Para encerrar eu coloquei outro compacto
da banda de quinta categoria que utiliza Moog
para parecer descoladinha nos anos 70,

11 - Who Needs Money?/Cash & Carry
12 - Tchip Tchip/Cash & Carry
13 - Buena Mooga/Cash & Carry

Como sou um fã invertebrado de Moogs
completei a coletânea todas as faixas que descolei
no gênero neste lote.

agora, você deve estar achando que eu paguei uma
bagatela por tudo isso, né?
Nada! Se tem algo que essa loja sabe fazer é cobrar.
10 Real cada compacto.
E veja você o nível de porcaria que são.
Interessam muito mas é a gente retardada como nós.
Bom, eles estavam lá, iam apodrecer e o idiota aqui
foi lá dar uma sobre-vida à eles hahahahaha.

cate o lixo aqui

RADIO SAFARI - programa Nº 1 - gravado em 02/10/09

2009-10-04T13:20:00.007-03:00

Está no AR o primeiro Poscast RADIO SAFARI!
Seguindo o espírito deste blog que vocês já conhecem,
o Podcast é uma oportunidade de encontrar pessoalmente
com os amigos e fãs dessa palhaçada que aprontamos aqui.
Um jeito de tornar mais social e divertida o ato de garimpar
discos e música obscura, brega ou simplesmente legal.
No comando: PB (eu mesmo) e Tatá Aeroplano.
Ouçam abaixo:

RADIO SAFARI numero 01 by PB - anvil FX

Este primeiro programa gravado aconteceu no
espaço + SOMA em São Paulo na festa das amigas
do blog MINAS DE OURO.

Já deu pra perceber que não será um podcast muito educativo
ou de precisa transmissão de informação.
Será sempre um grande esculacho! (adoro essa palavra! Bem carioca:
SCHCULASCHO).

Teka Paes de Carvalho, Nina Becker, Regina Strumpf, Adriana Cymes,
Gisela Gueiros, Clarice Reichstul, Ana Strumpf e Dani de Lamare

Esse programa foi cheio de muitas piadas internas e fruto das
bobeiras que rolavam lá na hora.
Um dos melhores momentos sem dúvida foi quando toquei pra encerrar
o tema dos Smurfs, que originalmente e em alguns países até hoje
são conhecidos como "LES SCHTROUMPFS" e duas de nossas amigas
Minas de Ouro tem um sobrenome que é algo bem próximo:
Regina e Aninha STRUMPF (Mãe e Filha).
Claro que eu não iria perdoar isso, hehehehe

Gravar um podcast ao vivo dentro de uma festa é algo que pode dar
muito errado. No meu aniversário nos tentamos gravar o Nº Zero,
mas simplesmente deu tudo errado tecnicamente, embora o astral
da festa estivesse altíssimo, com muito mais pessoas próximas
à mim e num lugar muito mais fantástico e acolhedor, que foi o
Bar Drosóphyla da querida Lili e do Tom!
A idéia é tentar continuar o projeto exclusivamente lá, apenas
precisamos de condições técnicas mais adequadas.

Aos poucos tudo irá ficar mais bem estruturado e com uma
cara mais definida.
Espero que você também se divirta ouvindo agora e que possa
estar presente nos próximos que serão divulgados aqui.

Clássicos da Fronteira Vol.1 por Marco Gaspari

2009-09-29T11:37:00.007-03:00

Bom, uma vez convidado para colaborar neste conceituado blog,
quero começar em grande estilo: puxando o saco do blogueiro.
Para isso selecionei três curiosidades eletrônicas (som eletrônico
cabeça, me parece, é a praia do PB). Mas se você, caro leitor ouvinte,
não é muito chegado nos fiummm... bóing... pumpum... pumpum...
típicos do gênero, fique tranqüilo que todos os sons têm um pezinho no rock.
Como não são álbuns muito fáceis de achar nem mesmo em CD, tente
compreender que os eventuais fiummm... bóing... pumpum... pumpum...
alheios à música são de inteira responsabilidade do vinil.

EN EL OMBLIGO DE LA LUNA – MUSICA DE AUTOREFLEXION
LUIS PEREZ

Prepare seus ouvidos para o desconhecido: sons de instrumentos
pré-colombianos originários das mais variadas regiões do México
mesclados a toda uma parafernália sonora pós-chapoliniana
(câmaras de eco, frequency analyser, phase shifter, shin-ei, gong, guitarra,
baixo elétrico...).

O compositor, arranjador e único músico desta belezinha chama-se
Luis Perez Ixoneztli.
Ele nasceu em 1951 na Cidade do México e passou uma vida estudando as
tradições musicais dos grupos étnicos mexicanos.

Em 1977 juntou-se a Julio Estrada na formação do Grupo Experimental
Mexicano, que tinha como marca registrada dar um tratamento eletrônico
ao uso de instrumentos autóctones. Algo como música experimental + rock
+ antropologia sonora.

A primeira edição do seu disco solo Ipan in Xiktli Meztli
(é o nome desse álbum no idioma náhuatl) foi lançada em 1981 e bancada
pelo governo federal, com uma capa muito bonita e uma arte bem bacaninha
tomando todo o miolo. Mas como acontece com todos os governos, eles mais
prejudicaram do que ajudaram Luiz Perez. O disco não chegou às lojas e virou
presentinho para os amigos. Perez então foi obrigado a providenciar uma nova
edição (a que ilustra este texto) e aí sim teve o reconhecimento que merece.

No encarte do disco aparece a etimologia da palavra México:

Metztli = Lua
Xiktli = Umbigo
Ko = indicativo de lugar

Dei uma resumida na explicação de Perez: metaforicamente México quer dizer
“no umbigo da lua” ou “no centro do lago da lua”, pois o contorno dos antigos
lagos que formavam a bacia fluvial mexicana tinha a forma de um coelho,
semelhante à silhueta formada pelas manchas lunares vistas da Terra.
E como a grande cidade de Tenochtitlan ficava no centro desses lagos,
simbolicamente ela estava localizada no umbigo do coelho lunar.

Coisas do México mágico, antes do homem branco estragar a festa.

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LÁCTEA
TÓ NETO

Este disco tem uma grande virtude: é um pioneiro.

Ele é considerado o primeiro disco de música eletrônica a ser gravado em Portugal.
E olha que o cara nem patrício era e sim angolano, nascido na capital Luanda em 1951.

António Eduardo Benedy Neto era filho de pai engenheiro e cientista chegado
a pesquisas nas áreas de informática e música eletrônica. Dá para imaginar
então que os sintetizadores do pai já estavam entre os primeiros brinquedinhos
do pirralho Tó Neto.

Em 1973, aos 22 anos, muda-se para Portugal e dez anos depois lança seu
disco de estréia: Láctea, em pleno boom do rock português.
A foto da capa foi feita no Planetário Calouste Gulbenkian,
onde a obra foi apresentada ao vivo pela primeira vez.

O que se ouve neste disco é uma mistura de passado e futuro.
O futuro é representado pelos aparelhos eletrônicos que o artista
domina com maestria, e o passado pela rica presença, até mesmo sentimental,
de sua herança rítmica africana.

Esta viagem pela Via Láctea, apesar de vibrante e bastante influenciada pelo
rock progressivo dos anos 70, soa um tanto datada aos ouvidos deste nosso novo século.

Mas como eu gosto bastante dessas coisinhas curiosas, direi com toda a
pompa que se trata de um futurismo retro. Seja lá o que isso quer dizer, ora pois.

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LA BUSQUEDA – SINFONIA LATINA EM ROCK...
FRANCISCO ZUMAQUÉ

No seu blog no myspace, Francisco Zumaqué se auto define como um músico de
raízes camponesas e populares. Mas não se iluda com a modéstia deste sexagenário
senhor (nasceu na cidade de Córdoba, na Colômbia, em 1945).
Na realidade se eu fosse enumerar aqui todo o seu currículo e discografia,
o PB teria que pedir espaço emprestado a algum blog amigo.

Vou resumir dizendo apenas que ele está entre os 100 colombianos mais
importantes do século passado.

Com relação à música eletrônica, Zumaqué estudou eletroacústica com os
mestres Pierre Schaeffer e Guy Reibel no Groupe de Recherches Musicales (GRM) de Paris,
além de composição rítmica com Olivier Messiaen e direção de orquestra com Igor Markevich.

Esse disco chamado “La Búsqueda” foi composto para uma peça de teatro, uma
adaptação do livro homônimo de Alfonso Lara Castilla encenada no México em 1982.

Como o conteúdo do livro caminha entre o esoterismo e a auto-ajuda,
a música composta por Zumaqué sugere algo espiritual e relaxante.
Porém, não se iluda novamente porque vez por outra tudo descamba para o rock.

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Marco Gaspari é dono da loja Mister Sebo e é tão usado quanto os artigos que vende.
Também escreve para a revista poeiraZine.

anvil FX - Objeto Interno Quebrado - Brasil - 2009

2009-09-23T10:57:00.004-03:00

Objeto Interno Quebrado é o meu novo trabalho.
Pode parecer uma inovação para eu trabalhar com
harmonias tradicionais e instrumentos acústicos.
Quem me conhece melhor sabe que isso são as
minhas raízes como músico.
Claro, o bom músico de linguagem eletrônica
precisa saber bem como funciona o oposto do que
ele produz.
Eu sinto muita semelhança entre este disco novo com
outro que lancei em 1995, o Imperfection do Silverblood,
que também pode ser downlodado neste blog.
Uma farta utilização da mistura de música com sons
concretos fazem a semelhança ser ainda mais evidente.
Talvez a diferença maior seja que este foi tão
profundamente fundamentado na tristeza.
De fato foi feito numa época em que eu me encontrava
em frangalhos. Normal no percurso de qualquer
ser humano com 43 anos.
Claro, uma hora a porta bate em sua cara e seu mundo
desaba, e não é nada bonito.
Uma profunda melancolia nas harmonias e melodias
seguidas por uma repetição angustiante e obcessiva.
Pode até ser confundido como algo bonito...
A capa foi feita especialmente para este trabalho pelo
grande amigo e artista Roberto Bellini, um antigo fã
de Silverblood.
As faixas também não possuem nome.
Eu tentei nomeá-las mas descobrí que não valia à pena.
São conhecidas por:
Tr.01
Tr.02
Tr.03
Tr.04
Tr.05
Tr.06
Tr.07
Tr.08
Fique à vontade para dar sua opinião.

baixe aqui

The Glass Orchestra - The Glass Orchestra - Canadá - !978

2009-09-22T10:18:00.003-03:00

Formado por Paul Hodge, John Kuipers, V. Eric Cadesby, Miguel Frasconi,
e Marvin Green, este grupo canadense se propunha a tocar música usando
apenas objetos e instrumentos feitos de vidro.
Todas as formas possíveis de extrair sons em vidro são utilizadas:
fazer taças de cristal vibrar, soprar garrafas, percutir e algo mais que não dá
pra saber apenas ouvindo. Até uma flauta de vidro foi tocada.
O resultado é mais abstrato e não apela para melodias conhecidas ou as
velhas virtuoses circences de tocar Mozart em taças de cristal.
O objetivo é criar ambientes sonoros e paisagens oníricas de um mundo
de vidro nunca imaginado.
Minha cópia foi trazida dos Estados Unidos recentemente e com certeza
trabalhou como objeto de divulgação em algum, ou alguns centros culturais
americanos, pois, como todos podem ver, tem um cartão de contato
do músico Paul Hodge colado na capa. O cartão também nos revela que
o grupo pertencia a uma galeria chamada MUSIC GALLERY.
Este foi o primeiro disco do grupo, gravado em 1977 e lançado em 78.
Depois disso ainda gravaram:
Tales from Siliconesia (1980) EP
Human (1988) CD
Live from the Archives Vol I and II (2007) CD
Mas se deram muito bem quando uma de suas faixas foi utilizada na
trilha do filme Hollywoodiano "GAROTA INTERROMPIDA".
Tem nada melhor pra fazer um bom troquinho!!!!

As faixas não possuem títulos e tudo me leva a crer que se tratava de um
projeto de improvisação musical.

ouça aqui

Os Ovonautas - Compacto - Brasil - 1979

2009-09-20T21:26:00.003-03:00

Frevo psicodélico espacial para crianças?
O início da primeira faixa realmente impressiona.
Logo a faixa toma uma forma tradicional de música
ruim feita pra criança no Brasil.
Mas que é bizarro é!
Quem foram esses malditos personagens que não
conheci mas já os odeio com todas as minhas forças?
Tudo parece um grande fruto de uma mente conturbada.

O fato é que, quando vi esse disquinho na loja
não pensei 2 vezes em pegá-lo.
Esse é o tipo de coisa que os picaretas do mundo
do vinil chamariam de "psicodélico" para valorizá-lo.
Pura bobagem, mas que o instrumental é bem interessante
isso realmente é, apesar das músicas serem bem fracas.

Bem, mais uma deliciosa pérola para vocês não
acharem que esse blog só tem coisa boa.

ouça aqui

RRR 500 - anvil FX RRRemix 13.13.13.13.13 - Brasil/USA - 1998/2009

2009-09-18T23:57:00.007-03:00

Este é um trabalho de desconstrução, ou talvez re-construção baseado
num dos discos mais bizarros e bacanas que possuo em vinil, o RRR500.
Deixe-me explicar...
O material que eu aqui disponibilizo são remixes que eu mesmo produzi
e não o material original. Mas por que eu faria isso?
Vontade de aparecer?
Não...
Para que tudo se esclareça preciso falar antes do original.

Numa das idas de Yupo ao Japão ele me consegue esse LP obra de arte,
serie limitada de 500 cópias em estado impecável que é uma coletânea
do selo underground, até então para mim totalmente desconhecido
o RRRecords.
Este selo americano é conhecido por apenas lançar trabalhos radicais
que incluem experimentações com o próprio suporte de reprodução.
O número 500 do título se refere à participação de 500 artistas envolvidos
com o selo ou apenas amigos ou gente que eles admiram na música.
São 250 artistas de cada lado, um loop de cada um.
Só que é impossível de ouvir este disco porque os loops são fechados.
Ao colocar a agulha no disco ela não sai do ponto em que você escolhe.
Os sulcos dos disco são anéis concêntricos e não uma espiral que leva
a agulha para o centro passando por todos os tracks como de costume.
Logo, você pode ficar colocando a agulha aleatoriamente e ouvindo
alguns loops mas nunca ouvir todos pois seria necessário uma precisão
cirúrgica para acertar todos os 250 sulcos de cada lado.
Anti-disco para Anti-música.
Uma maravilhosa pérola para se ter numa coleção.
Um vinil objeto de arte.
Me fascinou tanto a idéia que arrumei uma maneira de ouvi-lo.
Utilizando apenas meu toca disco conectado ao processador de efeito
de manipulação em tempo real da KORG, o KAOS PAD, fiz em casa
uma performance e gravei 6 tracks com aproximadamente 13 minutos cada.
Fiz o meu próprio disco de anti-música à partir do LP coletânea.
Ao meu entender é uma homenagem à RRR produzir esse remix conceitual
para trabalhos conceituais e a atitude conceitual do próprio selo.

Não sei precisar quanto tempo de atividade eles tiveram ou se ainda
estão em atividade, mas pelo que me lembro das palavras do MESTRE YUPO.
acredito que começaram no fim dos anos 70 ou início dos 80.
Abaixo o catálogo que data de 1998.

Agora a relação de todos os artistas contidos no disco.
Impossível saber quais deles existem no meu remix...

Lembrando que meu trabalho foi feito todo em tempo real sem nenhuma
utilização posterior de computador.

Quem quiser se arriscar em entrar em contato com eles:

Anti-disco Anti-música Anti-Remix
ouça aqui

PENDERECKI - DON CHERRY & The New Eternal Rhythm Orchestra - Alemanha - 1971

2009-09-15T23:54:00.003-03:00

Fico muito feliz quando tenho para oferecer para vocês uma
grande pérola sem precedentes.
Esse é um disco muito especial, me foi conseguido na última
feira de vinil em São Paulo no dia 07 de Setembro, sim a mesma
do video que eu postei abaixo.
O LP foi me trazido por Carlos Big Papa (primeiro a ser entrevistado
no video), dos Estado Unidos, país que ele morou muitos anos
justamente trabalhando com venda e produção de discos, especialmente
de Jazz.
Não é um disco muito comum de ser encontrado aqui no Brasil, ele foi
lançado na Alemanha pelo selo WERGO.
Quem também tiver uma cópia me dêem um sinal aqui.
O trabalho apresentado aqui foi feito por encomenda da Südwestfunk
(Southwestrn German Radio and TV Network).
Foi apresentado e gravado ao vivo no Donaueschingen Music Festival
em 17 de outubro de 1971. Ótimo ano, não?

Trata-se da New Eternal Rhythm Orchestra, conduzida por ninguém menos
que o compositor polonês e meu ídolo supremo KRZYSZTOF PENDERECKI.
Os músicos que tocam só tem gente fraquinha (pra não dizer o contrário):
PETER BRÖTZMANN - Tenor & Baritonsaxophone
GUNTER HAMPEL - Flute & Bassclarinet
TERJE RYPDAL - Guitar
HAN BENNINK - Drums, Chinease Woodblocks, Tabla, Thumb Piano,
percussion, plastic hose, horse jaw e etc.
e ainda:
MANFRED SCHOOF: trumpet & cornet
KENNY WHEELER - trumpet & cornet
TOMASZ STANKO - trumpet & cornet
PAUL RUTHERFORD - trombone
ALBERT MANGELSDORFF - trombone
GERD DUDEK - tenor & sopranosaxophone
WILLEM BREUKER - tenorsaxophone & clarinet
FRED VAN HOVE - organ on "Actions"
BUSCHI NIEBERGALL - bass
PETER WARREN - bass & electric bass

O disco começa com a faixa "HUMUS - The Life Exploring Force" de autoria
de DON CHERRY cuja interpretação fica à cargo de:
DON CHERRY - pocket trumpet, chinese shuan flute, south american Maya bird,
flute and vocal.
LOES MACGILLYCUTTY - vocal
MOCQUI CHERRY - tambura

No todo, a orquestra reúne os mais renomados músicos da cena internacional,
americanos, ingleses, holandeses, belgas, noruegueses e um polonês.
Tanto Cherry com Penderecki atuam num ambiente diferente de seu
convencional, no caso do primeiro com a música indiana e o segundo com o jazz,
mas ambos trazem sua própria bagagem e personalidade dando a credibilidade
que seus nomes oferecem.
O trabalho foi desenvolvido durante os anos 1966 até 1970 quando foi apresentado.
Não é uma obra de improviso e sim uma grande experiência que une o jazz ao
erudito contemporâneo.
Parecia um milagre, e todos os jazzistas estavam céticos que Penderecki
aceitasse fazer o trabalho com eles, em vista de sua rejeição à obra
de outros compositores de sua classe.
Todos ficaram muito surpresos quando ele aceitou e o mesmo ainda se surpreendeu
com a performance dos jazzistas.
Desse encontro memorável só nos resta ouvir ajoelhados no milho com o ouvido
sangrando.
Aproveite!

Tracklist:
01 - HUMUS - THE LIFE EXPLORING FORCE
(Don Cherry)
02 - SITA RAMA ENCORES
(Trad./arranjado e adaptado por Don Cherry)
03 - ACTIONS FOR FREE JAZZ ORCHESTRA
(Krzysztof Penderecki)

ouça este momento histórico

MUNDO GROOVE DE PB - PB - Brasil - 2009

2009-09-13T19:53:00.002-03:00

Mais uma coletânea de pérolas selecionadas, dessa vez com
foco no groove. Sabe? Tipo groove?
Acho tão abstrata essa definição...
Mas é isso ae, Groovis Baby!
Começa com o grande mestre dos mestres.

1) Sergio Malandro na vêia, cantando Deixa isso pra lá, um
clássico eternizado na voz de Jair Rodrigues mas confesso
que prefiro essa maliciosa versão.

2) Depois vem chegando outro brasileiro, o super trombonista
Raul de Souza que gravou o disco que tem essa música nos
Estados Unidos enquanto trabalhava de músico de estúdio por lá.
A composição é do amigo George Duke com o arranjo de Raul.

3) Meco vem arrepiando, baby com a suite do lado B de seu disco
inspirado no Mágico de Oz.
Começa como se fosse um Hit de Dark Disco e termina com o
tema do filme escancarando emoções.
É a hora que arrepia geral.

4) Falando em arrepio, é a vez de John Keating detonar nos
teclados, um duelo entre um Orgão Hammond e um maravilhoso
EMS Synthi VCS3. Essa faixa é pra ouvir bem alto, tipo estourando
as caixas de som e sangrando pelo nariz. Foda!

5) Não deixando por menos chega Hugo Montenegro com seus
arranjos psicodélicos eletrônicos para Too High de Steve Wonder.
Hora dos Moogs atacarem com toda pressão.
Aliás esse track foi extraído do lp "Hugo in Wonder-land", um
trocadilho que remete a Lewis Carroll se referindo ao artista negro.

6) Arregaçando nas guitarras distorcidas entra Janko Nilovic,
arranjador e compositor da antiga Yugoslavia.
Ele produziu diversos discos de library music e essa faixa
Hippocampus é deum deles.
No gênero, hoje é um dos artistas mais requisitados
pelos colecionadores japoneses, inclusive minha cópia veio de lá.

7) Se é pra arrebentar a boca no groove, ninguém melhor que o
mestre Roy Ayers, um nome de peso na música americana.
Red, Black and Green é o nome da faixa e também do album
de onde essa pérola foi pescada.

8) Não poderiam faltar os italianos quando se fala em groove.
O Soul-III arrepia com esse track The Revelations onde a
guitarra exerce um papel principal seguida por um energético
Hammond numa cadência bem dançante e psicodélica 70's.

9) Pra deixar tudo realmente "muito louco" chegam os alemães
já citando Beethoven com bastante efeitos e atonalismos.
É uma levada dançante mas bem freak e obcessiva.
Obra de arte em forma de groove experimental.
All Men Shall Be Brothers of Ludwig interpretado por
Staff Carpenborg And The Electric Corona.

10) Fechando com chave de ouro o mestre maestro David Axelrod,
um especialista entre a união de orquestra com grupo de rock.
Esse track tem um nome provocador: Mucho Chupar.
Homenagem as boqueteiras de sua época? De fato existe uns
efeitos vocais gemidos meio estranhos ao longo da gravação.
a faixa conta com a excelente performance ao Piano Elétrico de
George Duke. Pôxa, o cara é mesmo Groove... seja lá o que isso
signifique...

chupe aqui

GOLDEN GATE QUARTET - GOLDEN GATE SPIRITUALS - USA - 1950

2009-09-13T11:25:00.004-03:00

Este é um disco realmente raro extraído diretamente da coleção do Mestre Yupo.
Observem que ele é chamado de LP, mas é um disco de 10" e não 12".

The Golden Gate Quartet (aka The Golden Gate Jubilee Quartet)
é o mais bem sucedido de todos os grupos Afro-Americanos de
música gospel que cantaram no estilo quarteto jubileu.
Este estilo nasceu na primeira metade do século XX
inspirado na música religiosa negra conhecida como Spirituals.
Apesar das letras ainda falarem predominantemente sobre
passagens da Bíblia e fé, esses grupos eram criados em
escolas e mais tarde em universidades somente para negros
onde aos poucos novos assuntos começaram a ser introduzidos,
como guerra, política, cotidiano e até humor.

Pesquisando descobri que foi fundado como o Quarteto Golden Gate
Jubilee em Norfolk, Virgínia em 1934 por Robert Ford, Griffin CA,
Willie Johnson, William Langford, Henry Owens e Orlande de Wilson.
Só não consegui entender o fato de ser chamado de Quarteto e
serem citados 6 integrantes, alguém me ajuda?

Eles começaram como um quarteto jubileu tradicional,
combinando os arranjos inteligentes e misturando referências como
os quartetos de barbearia e ritmos emprestados do blues e do jazz
como o scat singing.

A composição do grupo mudou ao longo dos anos, porque alguns
membros foram recrutados durante a guerra e novos membros foram
trazidos para substituir aqueles que se aposentaram ou deixaram de participar.

Possuíam um talento espetacular na forma de cantar utilizando ritmos
sincopados cantados às vezes bem rápido
ou técnicas virtuosísticas como pular de notas muito graves para altos falsetes.
Às vezes até faziam efeitos sonoros com a boca imitando trens,
animais e coisas do gênero.

Eles alcançaram fama regional através do seu programa de rádio em
Columbia, Carolina do Sul em 1930, mas tornaram-se nacionalmente
populares em 1938 após John Hammond apresentá-los como parte
de seu espetáculo "From Spirituals to Swing" no Carnegie Hall.

Eles continuaram a ser populares durante a Segunda Guerra Mundial,
fazendo várias aparições em filmes de Hollywood e cantando sua música
secular misturadas ao repertório popular, como "Stalin Wasn't Stalling"
onde humor é misturado ao comentário político.

O quarteto perdeu sua posição de destaque na música gospel, após a
guerra, quando eles enfrentam a concorrência de novos artistas do gênero.

Aos poucos o grupo foi perdendo a força e até alguns
integrantes deixaram o grupo para se tornar pastores.

Reavivaram sua carreira em 1955 quando visitaram a Europa
pela primeira vez, onde se tornaram muito populares.
O sucesso foi tão grande que acabaram mudando-se para Paris em 1959.

Durante sua curta carreira no Exército, Elvis Presley, que era um grande
admirador do grupo desde sua infância, visitou-os nos camarins do
"Le Lido", em Paris, e ficou para assistir o show inteiro, além também
ficar com eles no Hotel Prince de Galles.

O Quarteto apareceu em filmes como "Star Spangled Rhythm (1942),
Hit Parade of 1943 (1943), Hollywood Canteen (1944), e do filme de
Danny Kaye A Song Is Born (1948). No último filme, que cantaram
"Joshua Fit the Battle of Jericho" e parte de "A Song Is Born" foi com a
parceria de Louis Armstrong e Virginia Mayo.

baixe aqui

Post com a colaboração do Mestre Yupo

FRANÇOISE HARDY - Accompagnée par Charles Blackwell et son Orchestre - França - 1966

2009-09-12T12:00:00.003-03:00

Só um bom amigo e sua mulher sabem te dar um presente certo.
Nesse caso foi o grande amigo José Damiano (aquele mesmo, da nuvem nove).
Um presente de aniversário desse é pra você pensar que a vida é bela,
que não existem problemas no mundo, que o sol brilha e os pássaros cantam
e etc... dava pra ficar escrevendo um monte de coisas do gênero.
Curioso é que o disco é do mesmo ano que eu nasci.
Achei por bem dividir essa maravilha com vocês, acho que todos agradecem.
Apesar do estado do disco estar bem bacana e conservado, rolam uns
estalinhos mas nada que vai tirar o seu prazer de ouvir.
Por ser um compacto original francês em 45 RPM o nível do som é bem forte
e a freqüências muito bem equilibradas.
A capa já resume que Françoise é tudo de bom. É de sua total autoria a quarta
faixa do compacto "Je Ne Suis La Pour Personne".
Tudo de bom para você.

Tracklist:
La Maison ou J'ai Grandi
Tu Verras
Il Est Des Choses
Je Ne Suis La Pour Personne

seja feliz!

Michele Musser - Eye Chant - USA - 1986

2009-09-12T09:37:00.003-03:00

Ela não é nenhuma pioneira, embora nem tanta gente estivesse
fazendo que ela fez nos anos 80.
O caso é que essa "garota" não se tornou a Laurie Anderson e
vá saber no que ela se tornou...
Não existe nehuma informação sobre ela na internet e nem na
capa do disco.
O selo que lançou seu disco, QUICK SHOWER MUSIC, parece ser
menor que qualquer selo seria numa cidade interiorana no Brasil.
Artisticamente eu diria que é um grande arroizim com feijão
programado e executado por equipamentos eletrônicos da época.
Não dá pra precisar exatamente quais equipamentos.
Com certeza um sampler, daí eu poderia arriscar dizer que
pode ser um synclavier ou um fairlight.
Na capa diz apenas que foi gravado em casa.
A qualidade não é nada ruim, por isso concluo que era uma
espirante a "Doris Norton" riquinha sem muito talento.
Bom, o tempo passa e o rigor com as obras vai sumindo, já
que existe tanta coisa pobre e fraca hoje em dia nos meios
da chamada "arte eletrônica".
Olhando por esse prisma e ainda somando o fato de ser uma
"gatinha punk-new wave-neo avantgarde" vale a pena trazer
do total esquecimento esse disco que se torna curioso.
Uma coisa é certa, a moça se levava à sério.
As músicas se seguram na intenção e a capa foi muito bem
realizada.
Moça moderninha ressucitada do túnel do tempo dos chiques

tracklist:
Tour de France (Day 2)
In the Air
The Intruder
100% Bridal Illusion
Eyechant
Dream Clock
Proteus and The Marlin
Too Much.

baixe aqui

CHARLOTTE & GAINSBOURG - Lemon Incest - França - 1984

2009-09-11T11:18:00.003-03:00

Um dos pilantras mais clássicos e velho babão,
o genial multi-artista Serge Gainsbourg, ícone supremo
da música francesa, sinônimo de baixaria e músicas incríveis, já
havia feito de tudo para chocar a moral religiosa e burguesa.
Em 1984 pegou pesado com a provocativa Lemon Incest e quebrando
todos os tabus do mal gosto com uma canção de muito bom gosto
ao lado de sua filhinha de 15 anos Charlotte. Esta tem uma das
mães mais bonitas da história, a queridíssima Jane Birkin.
Aliás, fisicamente Charlotte é a mais perfeita combinação dos
genes de duas pessoas, o que resultou numa belíssima garota feia.
E é por causa dessa garota feia que coloco esse disco neste blog.
Em homenagem ao seu encantador, desconsertante e perturbador
talento como atriz e seus grandes méritos no filme "O ANTICRISTO"
de Lars Von Trier.
Voltando nesse compacto, é importante dizer que a música Lemon
Incest é mais uma das bem sucedidas experiências de Gainsbourg
em transformar música clássica em Hit Pop.
Numa versão que remete a disco eletrônica de Giogio Moroder,
ele transforma o Estudo Nº 3 em Mi maior Opus 10 de Chopin num
hit de boate gay dos anos 80.
Inclusive a faixa do lado B, Hmm Hmm Hmm, é extraída do album
"Love on the Beat" onde o mesmo aparece travestido na capa.
Esse Serge... conseguiu o que queria, viu...

Veja o video deixa baixaria bacana

péga aqui no papai

KLAUS HUBER & HARALD GENZMER - Estréias Mundiais - Alemanha - 1971

2009-09-11T07:05:00.007-03:00

Juiz de Fora se mostra mais uma vez como uma boa fonte de discos eruditos
de compositores do Século XX de altíssimo nível possíveis de se encontrar usados.
Mais esta obra prima fui capaz de trazer de lá (e dessa vez com mais uma
cópia da Finis Temporum Comoedia de Carl Orff para o mestre Yupo).
Este disco com o nome enigmático de "ESTRÉIAS MUNDIAIS" é um lançamento
nacional, produzido sob licença da TOPTAPE, e estimo que tenha sido lançado
no meio pro fim dos anos 70.
Apesar da belíssima capa, que foi na prática o que me fez prestar atenção no
mesmo, é uma edição bem barata, tanto em qualidade de papel e impressão,
quanto de qualidade do vinil, mas a reprodução do disco mesmo assim me
impressionou.
É desses discos que parecem que nunca foram ouvidos, mas que na agulha
pipocam que é uma beleza nas partes mais silenciosas.
Claro, "ESTRÉIAS MUNDIAIS" sugere o título de uma série de discos de obras
de compositores contemporâneos.
Nesse caso ele aborda obras dos compositores KLAUS HUBER (nascido em 1924
na Suíça) e HARALD GENZME (nascido em 1909 na Alemanha).
As duas obras contidas neste LP, no caso uma de cada lado, foram apresentadas
por ocasião do quingentésimo aniversário do nascimento de Albrecht Dürer,
o maior pintor da Renascença alemã na sala dos MESTRES CANTORES DE
NÜREMBERG.

Albrecht Dürer nascido em 21 de Maio de 1471 e morreu em 6 de Abril de 1528

No lado A temos a obra "...Inwendig voller Figur..." (Por dentro cheio de figuras)
de HUBER. Foi encomendada pela cidade de Nüremberg e composta no período
de 1970-1971.

O compositor, que ficou muito impressionado ao ver a obra "The Vision" de
Dürer aos 7 anos de idade, aceitou imediatamente a encomenda e comenta:
"Quando Nüremberg me propôs escrever alguma coisa para as comemorações
de Dürer concordei imediatamente... li então o Apocalipse de S. João no
Novo Testamento... escolhi os textos: Em alemão como está na bíblia de
Lutero, no texto original em grego, em língua italiana e em inglês comforme
a bíblia do Rei Jaime. Além disso procedi a uma análise acurada dos textos
do Apocalipse."
E sobre a obra em si HUBER diz:
"Começa de uma maneira muito estática com um som que permanece.
Depois começa o movimento em direção àquele terrivel momento que foi o caos".

Foi composta para Coral, Auto-Falante, Orquestra e Fita Magnética.
Nessa gravação é interpretada pelo Coro da Rádio da Baviera de Munique
e Orquestra Filarmônica de Nüremberg, sob a regência de Hans Giester.

No lado B do LP temos o compositor HARALD GENZMER (1909/2007)
nascido na cidade de Bremen na Alemanha.

O Concerto para Orgão e Orquestra aqui apresentado, também sob regência
de Hans Gierster, foi composto em 1970 e trás como organista Hedwig Bilgram.
As obras de GENZMER encontram bom acolhimento não só na Alemanha mas
também em inúmeros países estrangeiros.
Adepto da escola de Hindemith, GENZMER cultivava um estilo moderno-conservador.
Fez sua a teoria de Hindermith de compor obras que possam ser interpretadas
não só por músicos profissionais mas também por amadores e estudantes de música.
O concerto de orgão aqui apresentado foi composto de acordo com as espantosas
possibilidades do orgão da Sala de Concertos dos Mestres Cantores.
A fim de fazer resaltar a variedade de registros desse maravilhoso instrumento
o compositor dispensou os instrumentos de sopro de madeira.
A orquestra compõe-se, portanto, apenas de instrumentos de cordas, de instrumentos
de sopro e metal e timbales.
Detalhe: este foi o orgão que Richard Wagner utilizava para estudar.

Seguindo a velha tradição dos organistas GENZMER dá oportunidade ao solista
de, no primeiro movimento, numa passagem do gênero tocata, demonstrar o seu
virtuosismo. O final baseia-se num tema do organista e compositor Johann Pachelbel,
um contemporâneo de Johann Sebastian Bach, que alcançou fama em toda a Europa.

Fazendo uma comparação ridícula, este concerto me lembra um pouco Tarkus do E,L&P.

Ouça aqui

FEIRA DO TANGERINO - Av. Paulista - São Paulo - Brasil - 2009

2009-09-10T23:54:00.003-03:00

FEIRA DO TANGERINO - São Paulo from paulo beto on Vimeo.

Acontece todos os feridos (ou quase todos), uma feira de vinil na avenida paulista,
ao lado do trianon organizada pelo Sr. Tangerino, que também é dono de uma loja na
própria galeria que ocorre o evento.
Essa aconteceu no feriado de 7 de setembro de 2009.
Por ser um feriado nacional e ter feito um dia bem bonito na capital de São Paulo,
a feira ficou bastante movimentada, inclusive com feirantes vindos de outras cidades.
Este é um registro simplório do que rola.
Eu quis fazer mais exatamente assim, com uma estética de video de churrasco.
Conheça algumas criaturas que frequentam e habitam por lá.

José Mário Branco - Mudam-se os Tempos, Mudam-se as Vontades - Portugal - 1971

2009-08-09T22:23:00.004-03:00

Ao contrário de certos artistas Brasileiros, o cantor e compositor
Português, José Mário Branco, durante seu exílio na França de durou
do ano de 1963 à 1974, produziu este belíssimo e inspirado disco.
Mais específicamente no ano de 1971.
Soa como uma mistura de música medieval com fado, toques de música
concreta e blues.
Filho de professores primários, cresceu no Porto e frequentou o curso
de História, na Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra,
que não concluiu.
Expoente da música de intervenção portuguesa (música de protesto),
iniciou a sua carreira durante o Estado Novo, tendo sido perseguído e exilado.
Com ele trabalharam José Afonso, Sérgio Godinho, Luís Represas, Fausto
e Camané, entre outros, com os quais participou em concertos ou em álbuns
editados como cantautor e/ou como responsável pelos arranjos musicais.
Igualmente compôs e cantou para o teatro, o cinema e a televisão.
Em 1974 fundou o GAC - Grupo de Acção Cultural com o qual gravou dois álbuns:
A cantiga é uma arma (G.A.C) (1976)
Pois canté! (G.A.C.) (1977)
Entre música de intervenção, fado e outras, são obras suas famosas os discos
Ser Solidário, Margem de Certa Maneira, A noite e o emblemático FMI,
obra síntese do movimento revolucionário português com seus sonhos e desencantos.
Esta última foi pelo próprio proibida de passar em quaisquer rádio, TV ou outro
tipo de exibição pública. Não obstante este fato, FMI será, provavelmente, a sua obra
mais conhecida.
O seu álbum mais recente, lançado em 2004, intitula-se Resistir é Vencer
em homenagem ao povo timorense que resistiu durante décadas à ocupação
pelas forças da Indonésia logo após o 25 de Abril. O ideário socialista está expresso
em muitas das suas letras.

Tracklist:

01 - Abertura/Cantiga para Pedir 2 Tostoes
02 - Cantiga do Fogo e da Guerra
03 - O Charlatão
04 - Queixa das Almas Jovens e Torturadas
05 - Nevoeiro
06 - Mariazinha
07 - Casa Comigo Marta
08 - Perfilados de Medo
09 - Mudam-se os Tempos, Mudam-se As Vontades

Baixe aqui

Post com a colaboração do Mestre Yupo

EU TÔ NO TWITTER

2009-08-09T01:06:00.002-03:00

Agora os amigos leitores podem me seguir no twitter
Sempre estarei divulgando lá os posts e muito mais.
Não costumo ficar conversando fiado e dizendo bobagens
que estou pensando.
Só uso para divulgar coisas interessantes e me comunicar
com os amigos.
Follow me!

Jorge Antunes - Música Eletrônica - Brasil - 1975

2009-08-08T22:21:00.007-03:00

Com muito orgulho apresento aqui um pouco do momento pioneiro
do compositor Brasileiro Jorge Antunes.
Seu trabalho é motivo de muito orgulho para nós Brasileiros amantes
da música de vanguarda e revolucionária.
Saibam que estão diante do primeiro disco de Música Eletrônica produzido
e lançado no Brasil. Só isso já seria um excelente motivo para culto.
Mas nosso país possui a séria tradição de não ter tradição.
De ignorar a obra e a vida de pessoas que não se enquadram dentro
da estrutura mercadológica de domina nossa cultura.
Jorge Antunes é um bom exemplo de alguém que resolveu esquecer
tudo isso e criar seus próprios veículos de divulgação e de lançamento
seu trabalho. Isso muito antes da internet.
Ele resolveu ser independente e ignorou os "DEPENDENTES".
Segue abaixo o texto publicado na contra-capa do LP.

Hoje a internet nos dá essa possibilidade de ter a própria voz, mas, mesmo
descobrindo essa possibilidade de liberdade, a maioria das pessoas ainda
preferem a dependência de precisarem pensar ou sentir dentro de moldes
sociais e não particulares.
Em 1975 esse não era o caso do jovem brilhante e contestador Antunes.
Para entender melhor e matar algumas curiosidades, resolvi procurar
o próprio que foi altamente atencioso em colaborar com nosso blog.
Segue a entrevista.

PB: Antunes, você com certeza já construía seus instrumentos e
equipamentos e produzia suas gravações e composições desde o
final dos anos 50. Como aconteceu a oportunidade de gravar seu
primeiro disco "Música Eletrônica" em 1975?
Era algo que você almejava muito?
Eu gostaria que você contasse tudo que você se lembra sobre quem
se interessou a lançar o seu trabalho e quais motivações você acha que
essa pessoa tinha?

JA: Na verdade, não foi no final dos anos 50 que comecei a construir equipamentos
para fazer música eletrônica: foi no início dos anos 60. Foi, mais exatamente,
em setembro de 1961, quando construi um teremim, um gerador de ondas
dente-de-serra e um reverberador de mola.
Saí do Brasil em março de 1969, depois da demissão no IVL e depois de muitas
perseguições do regime militar, após o AI-5 de dezembro de 1968.
Voltei ao Brasil em junho de 1973 e, a partir de então, comecei a buscar
gravadoras que pudessem se interessar em publicar o primeiro disco
brasileiro de música eletrônica.
Mandei cartas para a Continental, a Copacabana, a WEA, a Mangione, a Padrão,
a Musidisc, a Gaetani, a RGE/Fermata, a Chantecler, a Everest, a Pawal, a Top Tape,
a CBS, a Phillips, a RCA e a Odeon.
Acompanhando cada carta enviei um carretel de fita de rolo,
com as minhas músicas eletrônicas.
Foi um ano de espera. Recebi 15 cartas negativas e, ... milagre, uma positiva.
Era a carta da gravadora Mangione Discos.
Foi assim que saiu o disco.
Vim a saber, mais tarde, que o Sr. Mangione havia pedido opinião do
Francisco Mignone, pois este já tinha discos publicados pela Mangione.
Mignone deu apoio a meu pedido, recomendando fortemente a edição ao Sr. Mangione.

PB: Me diga, como foi a reação do público?
Quem eram os consumidores deste LP na época?
Chegou a ser vendido em lojas convencionais?
Foi recuperado o investimento ou isso não era uma preocupação?
Essas perguntas interessam mais aos colecionadores de discos, por isso, não estranhe.

JA: Os consumidores eram poucos. Na época saiu uma matéria e entrevista comigo,
sobre o disco, em página inteira da revista Veja. Mesmo assim vendeu muito mal.
Chegou a ser vendido, sim, nas lojas comerciais, pois a Mangione tinha boa distribuição.
Não sei qual foi a tiragem e não sei se houve recuperação do investimento.
Mas, creio que houve.
Um fato pitoresco conto a seguir.
A Mangione conseguiu vender 120 exemplares ao Itamaraty, através do
Departamento Cultural que era dirigido na época pelo Celso Amorim, atual Ministro de
Relações Exteriores. A intenção era distribuir o LP a todas as Embaixadas do Brasil no
exterior, para divulgação. Mas eu soube, anos mais tarde, que quase todos os discos
chegaram quebrados às Embaixadas. O funcionário que cuidava dos envios pela mala
diplomática não fazia nenhuma embalagem especial para os discos.

PB: Fale-me um pouco sobre a capa. Os grafismos sugerem uma partitura.
Era de fato, ou apenas uma arte sugerindo feita por Joselito?
Alguma história sobre a foto? Foi produzida especialmente para o disco ou já existia?

JA: A capa foi feita pelo Joselito. Esse era um profissional capista, que era muito
conceituado no meio. Ele fazia capas para várias gravadoras. Os grafismos são
estilizações que ele fez a partir de notações musicais da partitura de Cinta Cita,
música eletrônica que está no disco. Essa música, se não me engano, é a única
música eletroacústica brasileira para a qual se fez partitura. Tenho ela ainda hoje,
que se encontra disponível na Editora Sistrum (sistrum@sistrum.com.br).
A foto foi feita pelo próprio Joselito especialmente para o disco.
Posei em seu estúdio no Rio de Janeiro.

PB: Quais eram as suas expectativas em relação ao lançamento?
Era um momento em que as pessoas estavam mais dispostas e abertas
e viam a música eletrônica como algo revolucionário, ou as dificuldades
de se trabalhar com essa linguagem eram ainda maiores?

JA: Não houve um lançamento oficial, como tradicionalmente se faz.
Saiu o disco, foi distribuido, e pronto.
Na época a Mangione tinha representantes em diversos estados,
que trabalhavam a distribuição de loja em loja.
Sim, as pessoas viam tudo como algo revolucionário.
Acho que foi por isso mesmo que não houve muito consumo.
Houve, sim, muita badalação na imprensa.
Páginas inteiras de jornais, na seção de Cultura, foram ocupadas
por matérias e entrevistas: Correio Braziliense, Veja, Estadão, Folha, o Globo e JB.

PB: Qual a importância desse disco como divulgação de suas obras
para a sua carreira?
Portas se abriram por ser o primeiro a ser lançado com esse tipo
de conteúdo no Brasil?

JA: Não percebi e não percebo qualquer importância, no disco, para minha carreira.
Portas não se abriram. Acho que foi assim simplesmente porque não existiam portas.
Se houvessem, elas se abririam. Naquela época, tal como hoje, só existiam janelas.
Janelas, panelas, janelinhas, panelinhas.
Tal como hoje, os protegidos pelo sistema entravam pela janela.
Em 2002 pedi, na ABIN, meu habeas-data.
Ao receber li apavorado que o SNI seguia meus passos sempre, desde 1965 até 1988.
O habeas-data está reproduzido, como apêndice, no livro do Gerson Valle intitulado
“Jorge Antunes, uma trajetória de arte e política”.

No disco estão obras que eram consideradas “subversivas”.
Tentei disfarçar, por meio da auto-censura.
Observe que no disco duas das músicas têm, no final dos títulos,
as breviaturas: BRLXX3 e VRSBR73.

BRLXX3 quer dizer, veladamente, como código secreto: Brasil 1973.
VRSBR73 quer dizer, veladamente, como código secreto: Versão Brasil 1973.

Então, os títulos estão assim:

HISTÓRIA DE UN PUEBLO BRLXX3 - Essa é uma versão auto-censurada de minha obra
“História de un pueblo por nacer o Carta-abierta a Vassili Vassilikos y a todos los pesimistas”.
No final da obra original existe um cânone com a primeira frase d'A Internacional.
Na versão incluída no LP eu cortei esse trecho.

AUTO-RETRATO SOBRE PAISAJE PORTEÑO VRSBR73 -- Essa é uma versão auto-censurada
de minha obra “Auto-retrato sobre paisaje porteño”.
No final da obra original eu uso um discurso, com minha voz, em que eu faço
um jogo fonético com as palavras Geral e General, como referência aos Generais
que mandavam no Brasil na época. Na versão incluída no disco eu que cortei esse trecho.

Será interessante comparar a versão que está no disco LP de 1975, com a versão original que,
hoje, já pode ser ouvida na Internet, no site:
http://www.americasnet.com.br/antunes/auto-retrato/

Agora um pouco de Jorge Antunes falando sobre sua preciosidade presente na foto acima:
JA: O meu EMS SYNTHI A está funcionando maravilhosamente.
Comprei em Londres em 1971.
Ele pifou em 1980, num incêndio no apartamento em que eu morava na 107 Norte.
Meu filho Mauritz, então com 9 anos de idade, ateou fogo numa cortina,
e meu escritório lambeu. Partes do sintetizador derreteram: botões, diodos, pinos etc.
Em 1982 fui a Londres e comprei as peças para recuperação.
Deu tudo certo. Em 1986 um curto-circuito interno, com uma perna de um diodo
encostando no tampo metálico do fundo, fez derreter de novo alguns componentes.
Em 2005 tive um projeto de espetáculo (Speculum Brasilis) aprovado nos CCBBs
do Rio e de Brasília, em que eu pretendia usar o Sintetizador analógico,
junto com meu lap-top com Pro-Tools e GRM-Tools.
Encontrei o endereço do Robin Wood em Londres. Ele era o fabricante dos EMS.
Por e-mail ele me instruiu. Desmontei e enviei as duas placas para ele por correio.
Dois meses depois me devolveu com tudo consertado.
Não posso me desfazer desse meu amor. É uma de minhas paixões.

Segue abaixo um bom exemplo da postura de Antunes resistente ao
modus operandi do mercado fonográfico e a relação do artista com
os críticos e jornalistas.
Essa carta foi encontrada dentro de uma cópia do LP citado na mesma.

Todas as imagens deste post que não aparecem na capa do LP
foram extraídas do livro abaixo que pode ser comprado no site da SISTRUM.

Tracklist:
01 - HISTORIA DE UN PUEBLO (BRLXX3)
02 - CINTA CITA
03 - AUTO-RETRATO SOBRE PAISAJE PORTEÑO
04 - VALSA SIDERAL
05 - CONTRAPUNCTUS CONTRA CONTRAPUNCTUS

BAIXE AQUI

John Boudler/GRUPO DE PERCUSSÃO DO INSTITUTO DE ARTES DO PLANALTO - UNESP - II Prêmio Eldorado de Música - Brasil - 1986

2009-06-27T16:24:00.007-03:00

Sempre bom conhecer os trabalhos sérios de música produzidos aqui na
nossa terra e este é um ótimo exemplo.
O próprio texto da contracapa nos fará entender do que se trata.
Como nos velhos tempos:

"Quanto custa vencer um preconceito?
Em música, como em outros campos da atividade humana, às vezes
custa muito.
Custa tempo, esforço, paciência e talento.
Só assim supera-se o que parecia ser intransponível.
Os percussionistas sentem essa realidade profundamente.
Ou se conformam em permanecer no fundo das orquestras (e, até
chegar aí, eles precisam transpor alguns séculos de História da Música)
ou se debatem, heroicamente, para provar que seus instrumentos
podem exercer um papel musical respeitável.
O Grupo de Percussão Do Instituto de Artes do Planalto, da Universidade
Estadual Paulista "Júlio Mesquita Filho", tornou-se responsável por
um avanço significativo neste setor.
Formado por alunos do curso de bacharelado em música, o grupo
resolveu participar do II Prêmio Eldorado de Música (São Paulo, 1986),
superando as próprias expectativas e marcando um alegre precedente.
Não se tem notícia de outro conjunto nestes moldes que tenha vencido
instrumentos tão consagrados como o piano e o violino, só para citar
dis exemplos - em concurso de música de alto nível.
Mas o grupo venceu a competição, depois de uma apresentação exemplar
no Teatro Cultura Artística, na noite de primeiro de dezembro de 86.
A conquista de que se fala possui, pelo menos, três dimensões:
1 - Ajuda a dissolver o preconceito existente em torno de uma numerosa
família de instrumentos (quase duas centenas), alguns deles bastante
antigos e quase todos ainda sub-utilizados por muitos compositores
contemporâneos.
2 - divulga uma literatura musical estreita mas significativa, e que vive hoje
uma expansão animadora.
3 - Mostra a eficácia de uma experiência pedagógica.

John Boudler, percussionista americano, doutorado pelo American
Conservatory of Music, em Chicago, e que chegou ao Brasil há nove anos
para integrar a Orquestra Sinfônica de Estado de São Paulo como timpanista
e para dirigir o curso de percussão do Instituto de Artes do Planalto, deve acumular
um jistificado orgulho ao conferir como seus alunos têm assimilado e levado
adiante os seus ensinamentos.
Boudler criou o grupo. O trabalho está aquí, resistrado neste lançamento do
Estúdio Eldorado que marca não só a vitória no concurso como a estréia
em disco do conjunto. Pelas ágeis baquetas desses jovens músicos, ouve-se
um repertório diferenciado, que aponta para várias direções: do "ragtime"
de George Hamilton Green, que nos faz pensar na longa e harmoniosa
convivência da percussão com o jazz, até a música de John Cage.
Neste percurso prova-se ainda a experimentação pioneira de Varèse além de
dois momentos particulares na obra de Camargo Guarnieri e Marlos Nobre.

Laura Greenhalgh"

[[[[[[[[[[[[[[[[[POST EM CONSTRUÇÃO]]]]]]]]]]]]]]]]]]]]

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Karlheinz Stockhausen - Aus den Sieben Tagen - Alemanha - 1969

2009-06-27T00:28:00.006-03:00

Este disco foi lançado inicialmente num box com 6 outros LPs do mesmo conjunto
de obras.
"KOMMUNION" e "INTENSITÄT" fazem parte dessa série de composições
e performances chamadas "AUS DEN SIEBEN TAGEN" (From The Seven Days)
escritas em maio de 1969 e gravadas em 26 e 31 de agosto do mesmo ano
no Westdeutscher Rundfunk Cologne com 11 músicos (que neste disco só
aparecem 9) tocando diferentes instrumentos.
Trata-se de música intuitiva em seu primeiro momento de pesquisa, quando
até mesmo o mestre Stockhausen confessa estar um tanto cego em seu percurso.
Atualmente, músicos fora do contexto acadêmico costumam fazer experiências
semelhantes chamando isso de "FREE IMPROVISATION" (no Brasil: Improvisação Livre).
Fale sério, você acredita em LIBERDADE?
Quando se diz: "Você é livre para fazer o que quiser", você não acaba fazendo o que
já está em sua "programação"? Você não acaba seguindo suas vontades baseadas no
que forma seu caráter e personalidade?
Então existe uma direção, não há a dita LIBERDADE.
Transportando este raciocínio para a música, faz mais sentido chamar este tipo de
experiência de se lançar na música sem convenções de sentido harmônico ou tonal de
"MUSICA INTUITIVA", ou não?
A tônica da experiência não se baseia no fato do interprete se apoiar em sua
própria intuição?
Bem, também é possível tocar musica tonal se valendo bastante de intuição, é o que
desenvolvo com minha banda Zeroum.
Voltando ao Mestre Stockhausen, de alguma forma que não fica clara nas
informações do disco,
ele escreveu partituras ou apenas escreveu o conceito da obra. Com certeza a partitura
deve ser aquelas cheias de símbolos e desenhos.
O encarte do disco apenas é bastante claro dizendo que a prática foi conduzida,
no caso da primeira música, KOMMUNION", com idéia de que cada participante deveria
estar totalmente em sintonia com os ritmos e batimentos das frequências emitidas pelo
colega na tentativa de se fundir a nível molecular ou atômico.
É até difícil tentar entender isso na nossa lógica.
Imagino que deva fazer mais sentido convivendo e entendo a cabeça do Mestre na época.
O fato foi que as considerações dele à respeito dos resultados foram no mínimo interessantes.
Ele disse que, ao experimentarem se fundir, os resultados ao invés de soaram amigáveis
ou fraternais entre músicos, que as direções foram para os sentimentos mais viscerais e
primitivos, tendendo para uma estética que remete a guerra e a mutilação. Ele até usou a
palavra "Demoníaco".
Já em "INTENSITÄT", ele conta que algumas horas antes do horário marcado para a gravação,
ele saiu e comprou um martelo, lixas, um pedaço de madeira e uns pregos e juntou com uma
buzina de carro, um apito que tinha e foi pro estúdio com aquilo sem dar a menor explicação.
Preparou todos os microfones, posicionou os músicos e começou a "tocar" tudo aquilo.
Ele confessa ter ficado impressionado com a organização do resultado.
O ritmo de suas marteladas e bozinadas regiam a orquestração.
Observe que ele começa lixando um pedaço de madeira e em seguida parte pro martelo.
Resumindo, uma excelente obra que merece ser baixada e bem ouvida.
Não é aconselhada para quem só se liga no estilo Michael Jackson de fazer música.

Tracklist:
01 - KOMMUNION
02 - INTENSITÄT

Músicos:
Johannes G. Fritsch (Viola Alto)
Alfred Alings (Tamtam) em KOMMUNION
Rolf Gehlhaar (Tamtam)
Carlos Roqué Alsina (Piano e Orgão Hammond em KOMMUNION)
Jean-François Jenny-Clark (Contrabaixo Acústico)
Anonym (Trombone)
Michel Portal (Saxofone, Flauta e Piano)
Jean-Pierre Drouet (Percussão)
Karheinz Stockhausen
em KOMMUNION:
(Voz, Ondas Curtas, Vidro e Pedras, Filtros,
Controle de Volume e de Panorama)
em INTENSITÄT:
(Unhas, Martelo, Toco de Madeira, Lixas, 2 Filtros
Controle de Volumes e de Panorama)

baixe aqui

Discoteque Picareta Brasil - Grooves, Boogie & Disco - Brasil - 2009

2009-06-10T22:51:00.012-03:00

Não adianta... só quem viveu os anos 70 sabe a desgraça que esta
nova coletânea contêm.
A recordação daquele cheiro de acetona vindo do quarto da empregada
cujos dedos, separados por algodão, esperam ficar, como se fosse possível,
mais bonitos... E o laquê? Puuuutz
Cabelo ruim alisado e armado como um enorme capacete.
Fora as porcarias que as mulheres colocavam aos quilos na cara.
Meu irmão, em frente ao espelho, tentado sem sucesso parecer o John
Travolta enquanto eu ouvia Ummagumma do Pink Floyd.
Eu sabia que o problema não era comigo! Hoje, cada vez mais, tenho
plena certeza.

É... o pior mesmo era a música.
Me dava náusea, e continuo sentindo um pouco isso.
Mas hoje em dia, depois de me acostumar e gostar de Música Concreta,
Merzbow, Christian Marclay e outros ruidismos mais radicais, passei a
no mínimo respeitar a música que me faz mal pro estômago.
É com esse espírito que lanço aqui essa coletânea Picaretex de
breguices discotecantes.
Existe um antigo provérbio egípicio que diz:
"Tudo pode ficar ainda melhor em Ritmo de Discoteca".
De fato estou bolando um novo projeto de Augusto dos Anjos em Ritmo
de Discoteca, mas antes preciso realizar a minha outra idéia de
fazer a banda cover: LEGIÃO UMBANDA (músicas do Legião em toques
de Umbanda)... mas isso é outro assunto.

Seguindo os velhos princípios deste blog maldito, essa coletânea foi
montada apenas com o material que eu tinha disponível em casa
na minha coleção, com alguns disquinhos emprestados do Yupo, só
pra variar.
Por isso mesmo, repetem alguns artistas, mas as escolhas tenderam
a fugir das coisas mais conhecidas.
Uma ou outra eu coloquei pra agradar algum amigo retardado.
Vamos ao tracklist:

01 Maracangalha/Alcatraz Black Band

Música que define bem o conceito de discoteca picareta.
Somente um gênio do mal como Hugo Belardi poderia
ter uma idéia tão infeliz de adaptar música populares
brasileiras no ritmo de discoteca.

02 Selvagem/Risa

Minha preferida!
"Muito selvagem, eu vou fazer vc me amar!"
Funciona muito bem em reverse.
Risa eu não faço idéia de quem seja...
Também, se eu soubesse vcs poderiam mandar o
guarda me prender.

03 The Train (Trem das Onze)/Alcatraz Black Band
Esse é o tipo de música que vc precisa ouvir com a agulha
suja naqueles aparelhos 3 em 1 de plástico comprado
nas Casa Bahia no início dos anos 90.
Reparem o pulo no final da música, quando a garota fica
pedindo pro cara ficar mais com ela.
Repetiu muito rápido mais uma do Alcatraz, mas achei que a
sequencia era boa. Picaretagens à parte.

04 A Dança do Figueiredo/Banda Black Rio
A Banda Black Rio é excelente, mas caprichou na picaretagem
vagabunda nessa faixa.
Inclusive eles estão gravando disco novo com produção de
Mano Brown dos Racionais.

05 Não Pare de Dançar/Placa Luminosa
Essa é matadora! anima qualquer galinhero!

06 Dance Livre/Mary Jô
Mais uma cantora que não faço a menor idéia de quem seja...
Roberto? Alguma dica?
Tem um clima meio comportado dona de casa querendo
fazer striptease.

07 Here, There and Everywhere/Hugo Belardi
O Hugão agora capricha nessa versão mil vezes piorada
de Beatles. Uma baladinha pra dançar de band aid colado.

08 Black Côco/Black Coconut
Agora uma bem manjada.
O Lincon Olivetti que estava por trás disso.
Uma disco mais maconheira.

09 Bahia/Hugo Belardi
A coisa esquenta agora e entra com tudo (no bom e no mal
sentido). Acabou que essa música se tornou um clássico
brasileiro de música com o sintetizador Moog, graças a versão
do Meireles. Essa difere porque, além de ser em Ritmo de
Discoteca, mostra a música completa e mais uns arranjos
"E o gato way".

10 Como Posso Viver Sozinho/Mac Rybell
Ganhei essa pérola de merda do Yupo no dia do inimigo
oculto, mas vale mais uma vez pelo Moog.
Mais um belo toque de picaretagem de minha parte:
Essa música é de 73, ou seja, antes da era marrom da disco.

11 Just Fools (só louco)/Albatroz Black Band
Adoro o jeito que começa esse track.
Parece que vai começar uma música legal e aí:
Só Louco...
meus deus... cortem o meu saco...

12 El Bodeguero/Lee Jackson
Essa faixa reúne várias coisas ruins.
Tenho mesmo que enumerar?
Hoje alguns integrantes estão no ramo da publicidade.
... tá explicado...

13 Masquerade (Mascara Negra) /Albatroz Black Band
A ele aí de novo! Hugo!!!!
Não podia deixar de faltar mais uma coisa linda.

14 Pôxa/Albatroz Black Band
Porra! Outra?
Quem fez essa seleção?

15 Waltz of Flowers/Hugo Belardi
Essa pelo menos é de outro disco e tem Moog.

16 Fique Comigo/Express
Sinta a vontade "expressa" de ser o Bee Gees...
Com direito a vozinhas afeminadas e tudo.

17 Guerra nas Estrelas/Renato Mendes
Me diga o que é uma discoteca picareta sem uma versão
podre do tema de Star Wars do John Willians?
Renato Mendes, conhecido por adaptar músicas da mpb
para versões com o sintetizador Moog, aquí ataca
nos arranjos com um ELECTRONE ORGAN FX-20 que ele
usou emprestado de um casal de amigos brazucojapas.
Picaretex até a vêia!

baixe e dance sem parar

FOTOS DAMO SUZUKI encontra ZEROUM por Marília Scharlach - Brasil - junho/2009

2009-06-08T09:47:00.005-03:00

A amiga Marília Scharlach estava de bobeira, viu que ia ter o nosso show
e resolveu levar sua câmera pro show.
Um dia antes ela, passeando pelo centro, encontrou para vender filme
4500 asas e pensou: será perfeito para fotografar.
Apesar de só descobrir na hora que o fotômetro estava sem baterias,
com sua experiência e jogo de cintura conseguiu tirar os resultados
aquí mostrados.
É tanto tempo que me desacostumei com a fotografia analógica que
as imagens me deixaram chapado.
Nossa que diferença faz! Claro que é preciso um bom fotógrafo operando.

O evento foi o show do ilustríssimo DAMO SUZUKI (Ex-CAN) acompanhado por
minha banda ZEROUM: PB, Dudu Tsuda, Ciro Madd e Neymar Pires (o batera
que infelizmente não ficou na mira das lentes de Marília...).
Outro integrante que não apareceu foi Miguel Barella, que não pôde
participar do show porque estava viajando pra Europa.
Damo incorporou o conceito de NETWORK em seu trabalho, onde, fazendo
sua Tour Sem Fim, viaja por todos os lugares tocando com músicos locais o
que seria sessões de improvisação musical sem nada pré-determinado, o que
geram criações expontâneas chamadas por ele de "musica moderna".
Indispensável se referir a sua importância na cena do rock experimental
alemão na virada dos anos 60 pros 70.

Marília Scharlach : Funções e Atividades
Direção e fotografia de curta-metragens e documentários. Prêmios:

Melhor Fotografia Curta Metragem 16mm Festival de Brasília 2004 pelo filme
“Quando tudo Formiga”

Melhor Fotografia Curta Metragem 35mm Festival de Vitória 2005 pelo filme
“Distúrbio”

Prêmio DocTV Brasil para realização do documentário “No Traço do Invisível” 2006

» Formação
Formada no Curso Superior do Audiovisual na Escola de Comunicações e Artes da
USP (Universidade de São Paulo) especialização em fotografia.

» Idiomas
Inglês e Francês Intermediário

» Cursos

» Experiência Profissional
Principais trabalhos assistente de câmera em longa-metragem:

El Cobrador, 2005
Direção: Paul Leduc
Fotografia: Josep M. Civit

Os Porralokinhas, 2005
Direção: Lui Farias
Fotografia: Jacob Solitrenick

Não por Acaso, 2006
Direção: Philippe Barcinski
Fotografia: Pedro Farkas

Chega de Saudade, 2006
Direção: Laís Bodansky
Fotografia: Walter Carvalho

Os Incomodados que se Mudem, 2007
Direção: Sérgio Bianchi
Fotografia: Marcelo Corpanni

A Erva do Rato, 2008
Direção: Julio Bressane
Fotografia: Walter Carvalho

O Contador de Histórias, 2008
Direção: Luiz Villaça
Fotografia: Lauro Escorel

É Proibido Fumar, 2008
Direção: Anna Muylaert
Fotografia: Jacob Solitrenick

listagem desatualizada!

ACASP

Atua no mercado publicitário e cinematográfico desde 2004

Fred Frith - Live In Japan - Japan - 1982

2009-06-04T12:52:00.013-03:00

Eu tive um primeiro "mestre" da música bizarra que era um carioca
que tinha o apelido de "Mister Hawk", (por gostar muito da banda Hawkwind).
Certa vez eu estava elogiando muito Robert Fripp do King Crimson como sendo
o guitarrista mais genial de todos os tempos e ele disse:
"Vc precisa conhecer o Fred Frith, porque ele é infinitamente melhor!"
Claro que não acreditei. Primeiro que eu achei que ele estava tirando sarro
da minha cara. Fripp...Frith...
Depois, se ele era tão mais incrível, como eu nunca tinha ouvido falar?
Esse sempre foi o meu sintoma básico de ignorância: realmente pensar
que sabia tudo.
Quase 10 anos depois em Belo Horizonte, fui com o amigo Jeff Kaspar
numa sessão no Cine Usina onde estava rolando uma mostra
de filmes Suíços e não tinha nem idéia do que ia assistir.
Era um filme chamado "Step Across The Border" e era exatamente sobre
o guitarrista Fred Frith, suas músicas, seus amigos, o clima de improvisação
que rolava em sua turma, filmado maravilhosamente em preto e branco
e com uma lógica de montagem que o diretor chamou de
"improvisação cinematográfica".
Fiquei fascinado, especialmente pela participação da tcheca Ivá Bittová
que passei a vida tentando conseguir seus discos.
Felizmente hoje os tenho em cds, mais um dvd fantástico.
Ainda sim, o filme não era informação suficiente sobre Frith para que eu
morresse de amores por seu trabalho.
Mais dez anos se passaram e eu me envolvi com as práticas de improvisação
musical de forma mais consistente e fatalmente cruzei novamente com informações
sobre ele, suas técnicas, suas parcerias e seus incríveis discos.
Ao mergulhar mais profundamente no estilo R.I.O. (Rock in Opposition), que
hoje em dia gosto tanto, comecei a perceber que seu nome era um
grande pilar do gênero.
Eu sempre soube vagamente que, ele e seu amigo Chris Cutler (dono
do selo Recommend Records) eram ex-integrantes de uma banda chamada
Henry Cow que até então eu fingia que conhecia.
Até conhecer pessoalmente o Chris Cutler já tinha me acontecido.
Assisti ele tocar com um projeto chamado The Nudes em 1992 no festival
Brief em Belo Horizonte.
Resumindo, eu continuava sendo o grande idiota que achava que conhecia
muita coisa de música alternativa, ou pelo menos o melhor dela.
Hoje em dia eu preciso encher a boca pra dizer:
Frith é gênio e Fripp uma anta estúpida.
Só que Fred Frith nunca quis ser a estrela e por isso esteve mais comprometido
com a qualidade e o mergulho mais radical em sua musicalidade.
É um dos artistas mais modernos e à frente de seu tempo que eu já ouví falar.
Como se não bastasse o Henry Cow ser maravilhoso, uma espécie de progressivo
ultra-moderno, ele foi um dos músicos integrantes orquestra rock que levou
pros palcos a obra "Tubular Bells" de Michael Oldfield ao lado de Steve Hillage
na guitarra eletrica, e ainda teve outras bandas incríveis chamadas SLAPP HAPPY
e ART BEARS.
Nos anos 80 ele participou de vários discos e projetos
incríveis como MASSACRE, LES 4 GUITARRISTS DE L'APOCALYPSO, SKELETON
CREW, MATERIAL, GOLDEN PALOMINOS, NAKED CITY (como baixista) e isso
pra citar as coisas que conheço bem de minha coleção de vinis, mas sei que
ainda houve muito mais.
Ele ainda continua tocando incrivelmente em projetos como DEATH AMBIENT,
produzindo trilhas para filmes experimentais, lecionando nos Estados Unidos,
improvisando com artistas de jazz e desenvolvendo seu trabalho como
compositor erudito. O grupo MASSACRE ainda existe também e lança um Cd
à cada 5 anos pelo menos.
Esse disco aquí postado nunca foi relançado em cd e foi lançado originalmente
no Japão pela divisão Japonesa do selo Recommended Records Japan.

Como mostra a foto abaixo, é uma edição de 2 LPs que vinham dentro de
uma caixa de papelão com um livrinho de papel Kraft postado em seguida.

Nessa época ele desenvolvia solo apresentações de improvisações utilizando
técnicas de tocar guitarra inspiradas nas pesquisas de Derek Bailey, mais
específicamente o "Table Guitar" que consistia em apoiar a guitarra numa
mesa e prepará-la e toca-la com objetos cotidianos com o objetivo de
criar texturas inusitadas para a guitarra que vão dos timbres percussivos
ao ruidismo puro.

Esse disco é parte do registro de suas primeiras apresentações no Japão.

-------

À partir daquí já é um bonus especial para os fãs.
As imagens à seguir são uma revista que apresentava
seu trabalho para o público japonês que era distribuída
para as pessoas no show.
Por muita sorte temos acesso à isso graças ao amigo
e colaborador do blog, o Yupo, que ganhou no Japão
enquanto morava lá.
Ele teve a sorte de vê-lo tocar ao vivo algumas vezes
e uma vez até o ajudou a carregar seu equipamento, rs.
Quem me dera...

Ele hoje vive na Alemanha, provavelmente porque se casou com uma alemã.
Fred Frith não é apenas um dos músicos mais geniais que surgiram
dos anos 70. Ele é das pessoas envolvidas com música mais humildes e
seguras do que buscam, e com certeza não é o estrelato.

Tracklist:

OSAKA I
OSAKA II
OSAKA III
FUKUOKA I
FUKUOKA II
MAEBASHI I
FUKUOKA III
TOKYO I

experimente isso

Post com a colaboração do Mestre Yupo

Video Clip para The Emperor Machine's 'Kananana' por Cassiano Prado - Inglaterra - 2009

2009-05-26T23:21:00.003-03:00

The Emperor Machine's 'Kananana' from Cassiano Prado on Vimeo.

Com muito orgulho apresento à vocês o novo trabalho do amigo
Cassiano Prado que não por acaso é um video clip de uma banda inglesa
que admiro muito chamada The Emperor Machine.
Banda do selo que irá um album de minha banda Zeroum, a Dc Recordings.
http://www.dcrecordings.com
Fui apresentado ao selo pelo amigo Dj Kureb de minha cidade natal
Juiz de Fora e mostrei o selo para amigos como Cassiano e Guilherme Marcondes,
ambos colegas de trabalho e super astros na arte da produção de Motion Design.
No momento em que me apresentei ao selo DC, eles logo se interessaram
também pelo trabalho do Cassiano que havia produzido pequenos videos
para minha banda Zeroum.
Convidaram imediatamente Cassiano para produzir esse clip e, enfim ele ficou
pronto.
Sou suspeito pra falar, mas adorei!!!!!!!!!!

Written and Directed by:
CASSIANO PRADO

Music by:
THE EMPEROR MACHINE / ANDY MEECHAM

Artwork by:
LA BOCA / SCOT BENDALL

Music Label:
DC RECORDINGS / JAMES DYER

Scientist:
ZAC ELLA

Art Direction:
CASSIANO PRADO / GUILHERME MARCONDES

Design:
MARIO DE TOLEDO SADER

Stop Motion Animation:
GUILHERME MARCONDES

Editor:
JORDAN CRUTE

Post-Production (Future City):
MIXER BRASIL

Post-House (Future City):
TRIBBO

3D Artist (Diamond Sequence):
RALPH PINEL

DoP:
PETER EMMERY

Live Action Producer:
ANDY EATON

Camera Assistant:
BEN JONES

Storyboard Artist:
ADAM BEER

Styling:
RAQUEL GARCIA

Styling Assistant:
JAZNA RAUSAVLJEVIC

Thanks to:

DIANE CHAN
CIRO CÉSAR
TRIBBO CREW
JANE STOCKDALE
JOÃO DE MENDONÇA
PAULO BETO
LIAM O’CONNOR

Michael O'Shea - Dome Records - Inglaterra - 1982

2009-05-26T22:23:00.005-03:00

Apresento pra vocês, com muito orgulho, este que é um dos discos mais raros que possuo.
Não significa que seja valioso, apenas que é super obscuro.
Mas por trás de todo musico obscuro existe uma estória interessante.
Michael O'Shea nasceu na Irlanda do Norte em 1947 mas cresceu na República da Irlanda.
Afim de conhecer o mundo se ingressou no Exército Inglês mas sua passagem por lá
foi catastrófica. Logo logo foi levado a Corte Marcial e preso por 2 anos.
Saindo de lá mudou-se para Londres onde rapidamente se misturou com a cena FOLK
e fez amizade com músicos como: Ewan MacColl e Peggy Seeger.
Em meados dos anos 70 e foi para Bangladesh como voluntário e logo acabou voltando
com disenteria, Hepatite e uma cítara.
Mesmo convalescente acabou aprendendo a tocar o instrumento.
Em seguida viajou pela Europa e pelo Oriente Médio.
Na França, viajou com um Algeriano que tocava um obscuro instrumento de seu país
chamado Zelochord.
O'Shea teve a idéia de inventar um instrumento que fosse uma mistura de Zelochord,
Saltério Martelado e Cítara e o resultado foi o seu instrumento que nomeou de MO CARA,
o que em Gaélico significa "Meu Amigo".
Voltando para Londres seu instrumento chamou muita atenção e atraía multidões
pelas ruas em que ele se apresentava.
Logo arrumou um agente, Ronnie Scott, que era fascinado pelo seu instrumento e este
acabou por descolar uma abertura de show do famoso Ravi Shankar no Royal Festival Hall.
Outra coisa memorável foi participar de um projeto de Rick Wakeman, mesmo que sua
participação tenha sido descartada posteriormente.
Tudo parecia promissor mas ele se frustrava com o fato de não ver sua carreira decolar,
sendo assim, voltou a tocar nas ruas, onde se sentia mais realizado.
Uma vez, enquanto tocava no Covent Garden, foi notado por Tom Johnston que era dono
do selo Dome Records que o acabou convencendo a gravar um álbum (este em 1982).
Posteriormente participou em discos de outros artistas e começou a se envolver com
a emergente cena RAVE inglesa.
Em dezembro de 1991, foi fatalmente atingido por uma Van em Londres.
Sua morte aconteceu 2 dias após o incidente.
...

Em 2002 seu disco foi relançado de forma independente com algumas faixas bonus.

Tracklist:
01 - No Journeys End
02 - Kerry
03 - Guitar Nº 1
04 - Voices
05 - Anfa Dásachtach

ouça aqui

Nordeste: Cordel, Repente, Canção - Pesquisado por Tânia Quaresma - Brasil - 1975

2009-05-26T17:43:00.006-03:00

Talvez este seja um dos primeiros lançamentos dedicados ao assunto
lançados no circuito comercial do mercado fonográfico brasileiro.
Patrocinado pela extinta empresa aérea VASP, esse disco é uma verdadeira pérola.
Nota-se o carinho da pesquisa de Tânia Quaresma que fez uma excelente
seleção de artistas de rua num Nordeste Brasileiro ainda pouco explorado
pela mídia e pelas apropriações culturais.
Grandes artistas, ilustres miseráveis desconhecidos, passam a habitar as
vitrolas da classe média estudantil, audiófila, pesquisadora da séria sociedade
consumidora devoradora brasileira.
A fome de se conhecer mais sobre essas figuras exóticas mastigando a fome
em suas barrigas lubriguentas.
Personagens super populares das feiras nordestinas são agora ouvidos na casa
do ouvinte encantado com tanta riqueza extraída de uma região tão pobre.
Gente como: Olho de Gato, Cajú e Castanha, Santinha, Misael entre outros.
Artistas que não serão lembrados pra sempre na História da música brasileira,
entretanto eles estão lá!
O disco apresenta fórmulas deferentes manifestação poética e musical.
Basicamente, o CORDEL que são textos escritos em prosa cujas rimas narram
fatos e personagens importantes da cultura popular, de Lampião ao seu
"Zé Ruela" dos Santos ao Diabo.
Uma literatura impressa, ilustrada, lida e decorada que daí entretem os
transeuntes das feiras e calçadas.
O REPENTE que é a improvisação em palavras cantadas, normalmente acompanhadas
por algum instrumento musical que pode ir da Rabeca, violão, pandeiro à lata
de doce.
Testa a capacidade do artista de improvisar a poesia interagindo com o
acontecimento momentâneo ritmado pelo instrumento em forma de batalha
e desafio com outros repentistas.
E o disco trás também canções populares de toda essa cultura.
As informações originais do disco podem ser lidas na imagem abaixo, inclusive
toda a ficha técnica.
Felizmente este disco não é da época que o Gilberto Gil fazia campanha
gravando (se metendo) com os artistas de rua, posando de ministro bondoso.

Acima imagens feitas pela própria pesquisadora em loco.

Ouça aqui

Richard G. Boucher- Anges Maudits - Canadá - 1981

2009-05-01T22:52:00.004-03:00

Encomendada pelo departamento de música da CBC's French Network,
ao compositor canadense Richard G. Boucher,
essa Cantata Dramática composta para: Narrador, Soprano, Coro e
Instrumental teve o objetivo de homenagear o poeta maldito
Émile Nelligan, uma espécie de Edgar Allan Poe canadense.
Nelligan nasceu em Montreal em 24 de dezembro de 1879 em 602,
rue de La Gauchetière. Ele foi o primeiro filho de David Nelligan, que
chegaram em Quebec de Dublin, Irlanda a 12 anos de idade. Sua mãe
era Emilie Amanda Hudon, de Rimouski, Quebec. Ele tinha duas irmãs,
Béatrice e Gertrude.

Um seguidor do Simbolismo, sua poesia foi profundamente influenciada
por Octave Crémazie, Louis Fréchette, Charles Baudelaire, Paul Verlaine,
Georges Rodenbach, Maurice Rollinat e Edgar Allan Poe.
Um talento precoce como Arthur Rimbaud, pois seus primeiros poemas
foram publicados em Montreal, quando ele tinha apenas 16 anos.

Em 1899, sofreu um grande surto psicótico a partir do qual ele nunca
mais se recuperou. Ele nunca teve uma chance de terminar seu primeiro
trabalho poético que era para ser intitulado "Le Récital des Anges" de
acordo com a suas últimas anotações.

Em 1903, os seus poemas compilados foram publicados com grande
aclamação no Canadá, um aplauso que ele nunca soube.

Ao falecer em 1941, Émile Nelligan foi enterrado no "Cimetière de
Notre-Dame-des-Neiges", em Montreal, Quebec.
Após sua morte, o público se tornou cada vez mais interessadas em Nelligan.
Seu trabalho incompleto gerou uma espécie de lenda romântica.
Ele foi pela primeira vez traduzido para o Inglês em 1960 pela PF Widdows.
Em 1983, Fred Cogswell traduziu todos os seus poemas.

Émile Nelligan é considerado um dos maiores poetas da língua francesa no Canadá.
Várias escolas e bibliotecas em Quebec levam o seu nome, além do Nelligan Hotel
que é um hotel quatro estrelas em Old Montreal na esquina da Rue St. Paul e
Rue St. Sulpice.

Sobre o compositor posso dizer que se formou no Montreal Conservatory of Music
onde posteriormente foi professor de 1968 à 1974 ao lado de Gilles Tremblay
(composição e análise), Gaston Arel (harmonia), e Isabelle Delorme e Françoise
Aubut-Pratte (contraponto).
Ele fez cursos de música para computador com Iannis Xenakis e especialização
em electroacústica com Alcides Lanza e Edgar Valcarcel.
Compôs várias obras para Gerador de Ondas de Martenot, o que infelizmente
não faz presença no instrumental dessa obra.

download

Kutiman mixes YouTube 2009

2009-04-28T17:43:00.003-03:00

Falando sobre as novas possibilidades de criação musical
reciclando material sonoro e de video disponíveis na internet,
posso destacar o trampo de KUTIMAN: http://thru-you.com/

Questionando sobre os novos caminhos e rumos musicais
para o planeta Terra, acredito ser a reciclagem a última
palavra em avanços possíveis como linguagem e técnica.
Nada para se afirmar, mas algo bom para se pensar à respeito.

O processo não é novo, recortar...colar...
O que mudou foi o objeto à ser manipulado.
Os aperfeiçoamentos instrumentais digitais inspiram à resultados
como este.
Um fato importante à ser observado é que a linguagem não
está mais sob o domínio exclusivo dos eruditos. Os manos
estão dominando a parada, e com eles sua cultura e atitude.

http://www.myspace.com/kutiman

CLAUDINE LONGET - Run Wild, Run Free - USA - 1970

2009-04-25T13:40:00.003-03:00

Querida Claudine...

Nascida em Paris em janeiro de 1942.
Infelizmente sua fama de ter assassinado seu namorado,
a lenda do esqui, Spider Sabich, se tornou maior que seus
discos e sua carreira nas artes dramáticas.

O famoso dia fatídico em que descarregou as balas de um
revolver no estômago do namorado numa cabana na cidade
de Aspen, deixando-o mortalmente ferido no banheiro.
Esta cantora tão linda, de voz tão docê e angelical
foi protagonista de uma vida tão cheia de idiossincrasias e
contrastes que "só a realidade pode criar".

Viveu momentos de celebridade ao se casar com o rei da
Easy Listening Andy Willians, quando toda a imprensa quis
fazer daquele relacionamento como um grande conto de fadas.

Mas na realidade a forma como ambos se conheceram foi
lasciva e ainda quando ela, recém chegada da frança dançava em
cabarés obscuros em Las Vegas fazendo aqueles famosos
showzinhos solos de stripper que a gente vê em filmes até hoje.

No caso, Willians estava mais para um velho babão caçador
de menininhas.
Deste conto de fadas nasceram alguns filhos a quem ela muito
se dedicou posteriormente.

Lançou ao todo 7 Lps, entre 1967 à 1972, mas nunca teve
oportunidade de encontrar seu público ao vivo.
Na realidade, seu trabalho naquele momento foi muito mal
ouvido porque a juventude da época estava mais ligada ao
rock e as experiências mais extremas que ele proporcionava.

Claudine soava como cafona e adocicado demais.
Talvez aquele universo de doçura lhe fosse mais saudável
buscando uma pureza que lhe foi arrancada logo cedo, mas
com certeza é clara uma densa melancolia nas entrelinhas
de seu "sunshine pop".

Ela é a terceira de pé da esquerda pra direita.

Claudine nasceu no 14 º distrito de Paris - perto do Sena e
em uma área povoada maioritariamente por estudantes de arte.
"É o centro de Paris", diz Claudine com orgulho, e acrescenta:
"Quando o movimento existencialista começou foi onde
e quando eu comecei."
Não era uma área que os turistas frequentavam, o que dava
bastante liberdade aos estudantes e artistas.

Logo cedo, no frescor de sua infância já tinha certeza de sua
vocação para a arte dramática.
Frequentou a Academia das Artes estudando com pessoas
que dedicavam a vida ao teatro e também envolveu-se com
o balé clássico.
Logo aos 10 anos de idade interpretou uma garotinha possuída
numa montagem teatral da maravilhosa obra literária de Henry James
"A VOLTA DO PARAFUSO".

No brasil foi lançado em dvd o filme hollywoodiano que
remete à essa estória chamado "Os Inocentes".
Se você ainda não conhece, está bobeando...

Muitos questionaram se aquela experiência não iria marcá-la
pela natureza tão cruel e sórdida da obra, mas ela disse
que não se importava com isso e que foi uma experiência
fascinante na qual ela entendeu mesmo aos 10 anos.

Sua primeira grande produção foi aos 15 anos após
conhecer Jean Cocteau, o baluarte do surrealismo, dramaturgo,
autor, produtor/diretor e cineasta.
Ela foi escalada pelo mestre para atuar em "A Maquina Infernal",
baseado numa tragédia grega.
A Longetzinha interpretou Antígona.

Aos 16 ela já estava totalmente enturmada com a galera
modernista do teatro de vanguarda.
Naquela loucura toda, aos 17 ele foi morar na itália e foi
lá, nesse momento, que ela foi convidada à acompanhar uma
trupe teatral à se mudar para os Estados Unidos.
Dizem que ela foi por causa de uma "namorada", ual!
Esse povo do teatro...

Não demorou muito, uma conexão aqui, outra ali, era já estava
dançando nua em Las Vegas.
Em 1960 estava sim, afundada na putaria clássica.
Nessa coisa toda que ela conhece o "Bom Moço" Andy Willians,
o rei das cocotinhas...

Na real não foi um mal negócio, porque aos poucos ela
foi trabalhando como atriz em filmes e seriados de TV como
"Combat", "Hogan's Heroes", "Dr. Kildare" e muitos outros.

Numa dessas ela aparece cantando "Meditação" e foi onde
Herp Alpert levou a princesa para a gravadora A&M e a lançou
como cantora proficional.

Seu primeiro disco chamou apenas "CLAUDINE".
Havia um grande charme naquela bonequinha com sotaque
francês que não era nada muito especial para as mulheres
mas que dava muito tesão nos homens.

Ganhou disco de ouro!
Mesmo assim sua carreira como cantora não foi nada meteórica
e nem teve tanto destaque.

Era apenas uma garotinha (já nem tão novinha assim) com
aquela deliciosa vozinha pequena que exigia um mix bastante
rebaixado da orquestração.

Parra o grande público e indústria fonográfica já existia como
referência máxima o grupo The Carpenters, de dois irmãos
(AMERICANOS) muito mais talentosos e com grandes vozes.
Quem seria Claudine para concorrer...
Mesmo assim, em seus álbuns existem excelentes versões de
clássicos da época como Beatles ou Stones, mas sempre numa
pegada mais leve e fofinha.

Seria um pecado deixa de citar sua participação no filme
"Um Convidado Bem Trapalhão" com Peter Sellers

Ela interpreta uma garota que busca uma chance como cantora e
que acredita no papinho dum corôa que tá só afim de comê-la,
que a leva pruma festa mega rica na casa de um produtor
de hollywood e a faz cantar para todos alí um deliciosa bossinha
chamada "Nothing to Loose" composta por ninguém menos
que Henry Mancini, autor da trilha.

No filme a vida dela tá tão sem perspectivas que ela acaba
ficando com um ator lixo indiano atrapalhado, no caso o
também comedor Peter Sellers.

O single dessa música foi um dos maiores sucessos de sua
carreira, mas nunca apareceu nos álbuns.

Este álbum que aqui apresento é o quinto de sua carreira e
segue exatamente o padrão da cantora que nem sequer teve
oportunidade de guinar sua carreira, mas o título do disco
torna-se bastante sugestivo ao conhecer-mos a história dessa
moça. Dá pra entender o quanto ele é de verdade...

Depois de toda merda do assassinato, ela acabou sendo
acolhida pelo ex-marido e pai de seus filhos Andy, o que
foi muito legal da parte dele.
Ela passou pouco tempo presa e logo foi transferida para uma
espécie de prisão domiciliar.

Era isso mesmo que a moça precisava. Chega de encrencas!

Claudine está viva até hoje, mas ninguém a vê ou sabe onde está.
Jamais foi visto uma única foto de sua aparência hoje.
Mas onde quer que esteja, querida Claudine, saiba que uma
nova geração nasceu e que foi capaz de apreciar muito sua
obra e sua leveza melancólica.
Nós a amamos muito!

Tracklist:

1. Everybody's Talkin' 2:40 (Fred Neil)
2. Lazy Summer Night 2:45 (Harold Spina)
3. Little Man (Little Woman) 2:35 (Danny Janssen)
4. A Bushel and a Peck 3:25* (Frank Loesser)
5. Love Can Never Die 2:56 (Smokey)
6. Something 2:20 (George Harrison)
7. Don't Remind Me Now of Time 2:51 (John Simon-Peter Yarrow)
(From motion picture "You Are What You Eat")
8. Golden Slumbers 2:47 (Lennon-McCartney)
9. Run Wild, Run Free 2:41 (Don Black-David Whitaker)
(From Columbia picture "Run Wild, Run Free")
10. This Changing World (De L'Automne a L'Automne) 3:07
(Original Text, Roland Valade-English Lyric, Diana Spryopulos-Music, Jean-Claude Oliver)
11. Thank You Baby 2:42 (Bruce Johnston-Denie Dudley)

ouça aqui

Texto de Adriana Peliano sobre Grete Stern / Sonhos Sobre Sonhos - Brasil - 2009

2009-04-24T00:32:00.008-03:00

Grete Stern. Sonho no 42: Sem titulo. Idílio no 12, 1949 – “Os sonhos sobre perigo”

A fotógrafa alemã Grete Stern (1904 - 1999) revelou-se como artista no auge da República de
Weimar, sob influência direta da Bauhaus, através de seu professor Walter Peterhans.
Num momento promissor para a arte experimental em Berlim, juntamente com Ellen Rosenberg,
abre o estúdio fotográfico Ringl + Pit, onde desenvolve novas linguagens na publicidade,
em sintonia com os avanços das vanguardas artísticas.
Com o Nazismo, a Bauhaus fecha suas portas. Grete, como muitos outros artistas,
deixa o país com o seu companheiro Horacio Coppola e vai em 1933 para Londres,
exilando-se em 1936 em Buenos Aires, onde viveria desde então.
O leque de sua produção fotográfica foi vasto.
Registros urbanos, pesquisas antropológicas e retratos,
tendo fotografado muitos artistas e intelectuais de sua época.
Focamos aqui em especial uma série de cerca de 150 fotomontagens que realizou para Idílio –
La revista juvenil e feminina, de 1948 a 1951.
Muitos desses originais se perderam, restando apenas um conjunto de 46 imagens que podemos
encontrar, pela primeira vez no Brasil, numa exposição atualmente no Museu Lasar Segall em São
Paulo (4 de abril a 28 de junho de 2009).

Essas imagens ilustravam a página semanal “El psicoanálisis le ayudará”,
na qual as leitoras enviavam seus sonhos que eram analisados
na revista, sob o pseudônimo de Richard Rest, pelo sociólogo Gino Germani e pelo editor
Enrique Butelman, em diálogo direto com as imagens de Grete Stern.
Se por um lado as análises tinham raízes na psicanálise de Freud e na psicologia analítica de Jung,
as fotomontagens se aproximavam da linguagem do dadaísmo e do surrealismo.
Sabe-se que Butelman era o encarregado de ler e responder as cartas das leitoras, enquanto Germani
selecionava os sonhos e a abordagem das imagens a serem trabalhadas por Stern.
Segundo ela, havia sempre diretrizes precisas em relação à diagramação e à presença de
determinadas figuras e motivos (Stern, 2009).

As fotomontagens de Stern são a princípio “a tradução de uma tradução e representam
o segundo grau de mediação entre a sonhadora e o seu teatro onírico” (Fabris, 2009). Mas se a
imagem e a interpretação são algumas vezes redundantes, outras vezes a imagem ganha autonomia,
oferecendo uma visão estranha, bizarra, inquietante, angustiante e cômica para
aquilo que no texto se limita a uma argumentação racional.
Ao trabalhar com os sonhos alheios, Grete Stern é obrigada a formular estratégias visuais
e criar também um repertório de signos capaz de dar conta dos desejos,
das angústias e das memórias das leitoras de Idílio. Suas fotomontagens adquirem desse modo a
mesma estrutura das atividades oníricas e são uma espécie de “sonho dentro do sonho” (Fabris,
2009) em virtude da reelaboração e da dramatização das situações que ela propõe.
A maior parte dos sonhos analisados em Idílio revela a sonhadora diante de seus impulsos,
inibições, sentimentos, conflitos, carências, dúvidas e insatisfações.
As sonhadoras revelavam-se em grande parte mulheres oprimidas,
“a beira de um ataque de nervos” (Schwartz, 2009), em conflito direto
com os padrões machistas da sociedade argentina de sua época. As fantasias e os sonhos atuam
nesses casos como atividade compensatória, intermediando o anseio de escapar do cotidiano
opressor e os desejos insatisfeitos das leitoras.

O que chama atenção nas análises dos sonhos e nas respostas às cartas das leitoras é a abordagem
predominantemente jungiana. Entretanto, a crítica mais habitual feita às interpretações dos analistas
por correspondência é a de que lêem os sonhos de acordo com um mapa do inconsciente coletivo
como uma espécie de catálogo estereotipado. A identificação dos símbolos tende a uma análise
mecânica e mais ou menos previsível: a fruta remete à vida amorosa, o vegetal ao desenvolvimento da
alma, a água ao inconsciente, a casa ao feminino, o ovo ao renascimento, o animal às forças
instintivas, e assim por diante. (ver Fabris, 2009)
Um conceito fundamental para Jung, a individuação, é também aplicado algumas vezes por Germani.
O processo de individuação é o movimento do ser em direção ao self, o núcleo da psique.
Quando o consciente e o inconsciente se ordenam em torno do self, acredita-se que a
personalidade está integrada.
Esse processo envolve vários aspectos como o desmascaramento da persona, a aceitação
da sombra e a confrontação da anima e do animus, todos conceitos jungianos.
Germani simplifica todo o processo em poucas palavras: pode-se alcançar a autonomia
do indivíduo graças a um processo de crescimento da personalidade, que faz com que a pessoa
atinja seu pleno potencial.

A psicanálise, por sua vez, oferecia um caminho para o autoconhecimento, para a descoberta dos
complexos ocultos que seriam as verdadeiras causas da infelicidade. Embora o nome de Freud não
seja citado, alguns de seus conceitos são apropriados nas análises, tais como condensação e
deslocamento, que também se aplicam diretamente ao tratamento das imagens feito por Stern, que
criava fragmentos de narrativas com base no princípio da livre associação.
Freud criou a teoria sobre o trabalho do sonho (distorção no sonho para proteger o sujeito do caráter
ameaçador dos seus desejos), em que fala dos mecanismos da condensação e do deslocamento. A
condensação é o mecanismo pelo qual uma representação inconsciente concentra os elementos de
uma série de outras representações. Já o deslocamento é uma operação através a qual uma quantidade
de afetos se desliga da representação inconsciente à qual estava ligada e vai ligar-se a uma outra
representação que recebe assim uma intensidade de interesse psíquico excessiva enquanto a primeira
é recalcada. Este deslocamento encontra-se em todas as formações do inconsciente.Tal como a
condensação equivale à metáfora, o deslocamento equivale à metonímia.

Já na antiguidade a interpretação dos sonhos era uma verdadeira arte que abraçava os campos da
adivinhação e da medicina, em geral sob responsabilidade dos sacerdotes, pois se acreditava que os
sonhadores eram meros canais para a manifestação de forças sobrenaturais. Com o romantismo os
sonhos ganham novamente uma grande importância, como manifestações autênticas do mundo
interior, respondendo a noção do artista como receptáculo da inspiração, emanada de forças que ele
mesmo não compreende totalmente. Herdeiros de alguns pressuposto básicos do romantismo, os
surrealistas estão interessados em registrar os mecanismos do sonho, de modo a conferir realidade as
produções mentais, a materializar o inconsciente e o desconhecido. Trata-se de uma linguagem
metafórica que se serve de imagens estranhas conduzidas pela metamorfose, pela subversão da lógica
do espaço e do tempo, pela configuração de contextos improváveis, contraditórios e absurdos. (ver
Fabris, 2009)

Como na colagem e na fotomontagem, a imagem surrealista é fruto da aproximação entre duas
realidades distantes, sendo por isso arbitrária, alucinatória e contraditória quando comparadas a
realidade convencional. O caráter enigmático e ao mesmo tempo realista do sonho encontra na
fotomontagem um terreno propício, numa lógica que aponta para outro sentido, que deve ser
buscado entre fragmentos e associações inesperadas. Como nas montagens dadaístas e surrealistas,
nada é o que parece. Mário de Andrade, com olhar agudo, fez uma leitura psicanalítica da
fotomontagem e apontou características comuns ao poeta e ao realizador de fotomontagens. “As
nossas tendências mais recônditas, nossos instintos e desejos recalcados, nossos ideais, nossa cultura,
tudo se revela nas fotomontagens.” (Andrade apud. Cristofaro, 1998)

O princípio da fotomontagem juntamente com a colagem tornou-se um projeto poético e político
nas vanguarda históricas, um dos grandes legados da arte moderna. A colagem no surrealismo teve
expressão máxima na obra de Max Ernst, que desenvolveu a concepção surrealista da collage a partir
da famosa imagem de Lautréamont do encontro de um guarda chuva e uma máquina de costura
sobre uma mesa de dissecação, como o “acoplamento de duas realidades aparentemente inacopláveis
sobre um plano que aparentemente não lhes convém.” (apud. Gimferrer, 1983) A collage é um
procedimento poético efetuado com elementos extraídos de desenhos impressos em livros, revistas e
jornais, fotografias, figuras de propaganda, retalhos visuais que são incorporados ao quadro de uma
maneira tão minuciosamente trabalhada que dificilmente se nota o artifício.
Ocorre que o artistareconfigura o objeto em uma nova realidade, “para transformar em dramas
reveladores dos seus mais secretos desejos o que antes não passava de vulgares páginas de publicidade.”
(Ernst apud. Gimferrer, 1983)
As novelas colagens de Max Ernst das décadas de 20 e 30 são constantemente consideradas entre as
obras mais intensamente perturbadoras de todo o surrealismo. La femme 100 têtes (A mulher 100
cabeças) foi a primeira, seguida por La semaine de Bonté (Uma semana de bondade) e Une petite fille rêve
d’entrer au Carmel (Uma menina que sonha tornar-se freira). Primeiro Ernst recolheu centenas daquelas
puritanas xilogravuras vitorianas, que ornamentavam os livros e jornais para senhoras da época.
Recortou as imagens e tornou a montá-las à sua maneira perturbadora: daquela ingenuidade
açucarada nasceram, assim, cenas eróticas e mundos demoníacos.

Max Ernst. Colagem de “Une Semaine de Bonté”, 1934

No dadaísmo Raoul Hausmann foi o provável inventor do procedimento por ele batizado de
fotomontagem. (Richter, 1993) A fotomontagem no contexto do dadaísmo berlinense surgiu como
uma proposta política provocativa e iconoclasta, através do emprego livre de peças da realidade
visando ao ataque político ,“a fim de fazer o mundo desvairado engolir a própria imagem”. (Richter,
1993) A fotografia comparecia como uma imagem ready made, que era colada junto a recortes de
jornais, revistas, letras e desenhos, a fim de construir uma imagem caótica e explosiva, num desejo de
destroçar a imagem do mundo, desmascarado em sua absurda falta de sentido. Introduzindo
simultaneamente diversos pontos de vista e diferentes níveis de perspectiva na representação plástica,
as fotomontagens dadaístas desmontavam um mundo de sistemas despedaçados, arrancando do caos
dos tempos de guerra e revolução uma imagem nova, tanto visual quanto intelectual.

Raoul Hausmann. Tatlin chez lui, 1920.

O construtivismo russo também adotou os procedimentos da fotomontagem dentro do contexto
revolucionário. Durante a década de 20 ampliou-se cada vez mais o uso da fotomontagem
combinado a novas técnicas tipográficas no campo da publicidade e da propaganda política para
pôsteres, capa de livros, postais e ilustrações. Entre os artistas do construtivismo russo, destaca-se
Alexander Rodchenko, cujas fotomontagens e cartazes são tão fantásticos quanto suas fotografias,
onde rompe com os limites da percepção comum. Em 1923 fez uma série de fotomontagens para
ilustrar o poema “Isto” de Mayakovsky. Centradas na imagem de Lily Brik, amante de Mayakovsky,
as fotomontagens, assim como o poema, promovem um diálogo entre a condição do indivíduo e da
coletividade. Segundo Dawn Ades (apud. Cristofaro, 1998), a série de poemas versa sobre a
necessidade urgente de expressão individual dentro de uma sociedade revolucionária. Foi a primeira
vez que um livro foi inteiramente ilustrado com o uso da fotomontagem.

Alexander Rodchenko. Ilustração para o poema de Mayakovsky “Isto”, 1923.

Entretanto, diferente do processo de colagem que parte da apropriação de material gráfico
preexistente, o trabalho de Stern revela um aspecto programado e racional. As imagens são definidas
através de um esboço prévio, e a montagem propriamente dita mescla recursos de laboratório com a
prática da tesoura, misturando negativos do acervo da fotógrafa com fotografias tiradas
especialmente para compor as imagens planejadas.
A fotógrafa se inspira em procedimentos surrealistas, mas colocados a serviço de outras finalidades.
Uma série de imagens produzidas por ela e Ellen Auerbach no estúdio Ringl + Pit na década de 20,
como o uso da manequim no reclame da Pétrole Hahn em 1928, inscreve-se em um emprego
deliberado dos pressupostos surrealistas a serviço da publicidade, graças aos quais a mercadoria
adquire novos significados e associações de caráter metafórico e simbólico.

Ringl + Pit, 1928

As imagens de Grete Stern para Idílio podem ser vistas como um signo do desassossego crescente de
uma parcela da população feminina durante o peronismo, quando Eva Perón reforçava o modelo
tradicional de submissão da mulher ao marido, restrita ao âmbito doméstico. A frustração da mulher
com o papel que lhe era reservado na sociedade é um tópico bastante freqüente nessas
fotomontagens, e é evidente o desconforto de muitas sonhadoras de Idílio diante do seu papel
secundário na vida do casal.
Grete Stern dá vida a esse estado de desconforto graças a um recurso bastante adotado nas
fotomontagens dadaístas: a subversão das proporções entre os diferentes elementos da composição.
(ver Fabris, 2009) Uma pequena mulher tenta escapar de uma bacia cheia de água e sabão escalando
uma gigantesca tábua de lavar, por exemplo. Em outro momento o efeito cômico deriva de
metamorfoses no corpo, criando efeitos que se situam no limiar entre o dadaísmo e o surrealismo.
São vários os casos do estranhamento da imagem habitual do corpo e a justaposição de seres e
objetos.

Grete Stern. Idílio no 84, 1950. (sem numeração e sem legenda).

Grete Stern. Sonho no 28: Amor sem ilusão. Idílio no 64, 1950 – “Os sonhos sobre transposições”.

Grete Stern. Sonho no 31: Made in England. Idílio no 101, 1950 – “Os sonhos com pincel”

A frustração expressa-se também em imagens que colocam em contraste os desejos de independência
e de desenvolvimento pessoal da mulher de classe média e seu confinamento ao trabalho doméstico.
Mulheres que se sentem destinadas a outros horizontes mas não conseguem concretizar suas
aspirações. Uma mulher dentro de uma gaiola está a vontade com o próprio encarceramento dentro
da vida doméstica, outra, a jovem – abajour, revela a conversão da jovem a um objeto utilitário e
decorativo, sendo manipulada por uma gigantesca mão masculina. Estes são ambos índices da crítica
feita por Stern à condição feminina e que evidenciam uma mulher em conflito com seu papel social,
crítica que por sua vez não aparece nas análises de Rest, de tendência mais conformista.

Grete Stern. Sonho no 45: Sem titulo. Idílio no 47, 1949 – “Os sonhos sobre aprisionamento”.

Grete Stern. Sonho no1: Artigos elétricos para o lar. Idílio (sem numeração e sem legenda).

Por outro lado, as conotações sexuais algumas vezes presentes nas fotomontagens, estão ausentes nas
análises de Rest, que tratam os temas ligados à sexualidade com explícito pudor. A sexualidade
também presente nessas narrativas é tratada com reserva pelo consultor que não emprega termos
como libido ou sexualidade em suas análises, preferindo o uso de expressões como
“transbordamento das energias instintivas”.
Grete Stern manifesta em várias oportunidades sua independência em relação a interpretação verbal,
transformando o roteiro fornecido por Germani em ponto de partida para uma elaboração própria e
original. Mais do que ilustrar os conceitos psicanalíticos, sua intenção é de operar uma subversão da
visão corriqueira da realidade graças a criação de uma “imagem sonhada”. (Fabris, 2009) Ela busca
através de seus deslocamentos e associações uma maneira de discutir a situação da mulher na
sociedade patriarcal, propondo uma reflexão de alcance social e psíquico mais abrangente.
Transitando entre as concepções dadaísta e surrealista de fotomontagem – que se articulam sob o
enfoque da recusa da convenção e pela valorização da invenção, Grete Stern consegue em vários
momentos provocar um choque e um estranhamento na percepção do observador, revelando-se
então como uma sonhadora, sonhando sonhos dentro de sonhos.

Grete Stern. Sonho no5: Garrafa do mar. Idílio no 80, 1950 – “Os sonhos sobre inibições”.

Referências Bibliográficas:
Os Sonhos de Grete Stern: fotomontagens: textos de Jorge Schwartz, Grete Stern, Luis Príamo, Maria
Moreno, Annateresa Fabris e João Frayze. São Paulo: Museu Lasar Segall, Imprensa Oficial, 2009.
CRISTOFARO, Valéria de Faria. Fotomontagem: da sala escura ao ciberespaço. Brasília, Dissertação de
mestrado – UnB, 1998.
GIMFERRER, Pere. Max Ernst. Rio de Janeiro: Ao livro técnico, 1983.
RICHTER, Hans. Dadá: Arte e Antiarte. São Paulo: Martins Fontes, 1993.
O Princípio Colagem. Catálogo de Exposição. Instituto Goethe, 1988.

Conheça o blog da minha querida Adriana:
http://adrianapeliano.blogspot.com

Queen Bohemian Rhapsody Old School Computer Remix

2009-04-23T17:02:00.005-03:00

Grete Stern. Sonho no 42: Sem titulo. Idílio no 12, 1949 – “Os sonhos sobre perigo”

Nunca imaginei que postaria qualquer coisa relacionada ao grupo
inglês "Queen" aquí nesse espaço de alucinações, mas este video
quebra todas as regras!
Até que ponto um nerd pode chegar?
Isso é genial e ultrapassa as barreiras do inusitado.
E nas palavras do autor:
"Isto é dedicado a todos os fãs do Queen e, hey, não vamos esquecer
de Mike Myers e Dana Carvey do Wayne's World.
Não houve efeito ou amostragem.
O que você vê é o que se ouve.
Atari 800XL foi utilizado para levar o piano / órgão som
Texas Instruments TI-99/4a como a lead guitar
8 de polegada disquete como Bass
3,5 polegadas Harddrive como o gongo e um
HP ScanJet 3C foi utilizado para todos os vocais.
Observe que eu tinha que gravar o scanner HP 4 tempos distintos para cada voz.
Tentei comprar 4 HP scanners, mas por alguma razão vendedores no E-Bay
esperam que você pague R $ 80 - $ 100, mas eu tenho uma mina de US $ 30.
Sempre ouço partes da música fora de sintonia.
Tenha em mente que o "scanner" e unidade de disquetes não são instrumentos musicais.
Estes são dispositivos mecânicos cujos motores tendem a deriva e pode causar
algumas notas fora do tempo."

Nenhuma palavra mais é necessária.
Só gostaria de saber quem fez...

CHIYO OKUMURA - It's regrettable, but happy - USA/JAPAN

2009-04-13T23:52:00.003-03:00

Chiyo Okumura é conhecida como a resposta japonesa à cantoras dos anos 60,
como France Gall, Sylvie Vartan ou Dusty Springfield.
Ela foi muito popular no Japão entre 1965 à 1971, e até chegou à fazer aparições
em 3 filmes moderninhos da época, contracenando com atores famosos de seu país.
como: Gen Shimizu, Yutaka Sada, Ryuji Kita and Kei Tani.
O exemplo clássico universal da garota bonitinha, modelo, atriz, cantora e só perde para
a Cláudia Raia porque não era bailarina e coreógrafa...pfff

Mas, falando sério, a moça tinha talento.
Dona de uma voz poderosa, seus hits tinham bastante groovy e não deixavam
a desejar para suas concorrentes ocidentais.
Tem uns palhaços por aí, digo no Brasil, que querem vender a idéia de que seu
trabalho se enquadra dentro do contexto da psicodelia, mas isso é uma pura bobagem.
Seu estilo é o pop, ao moldes de Bucharach.
Uma versão mais dançante às vezes de Carpenters.
A realidade é que, quanto mais se tenta explicar, mais bobagem se fala.
Esse disco é uma coletânea lançada mais recentemente, relembrando a gatinha e a
apresentando aos ocidentais babões e as bichinhas descoladas.
Divirtam-se com o charme dessa japan sixtie girl.

Bacana demais esse video! (Gostaram da minha crítica? hahahahaha)

Seguem outras capas da boneca:

Chiyo Okumura pra ouvir aqui

JIM FASSETT - HEAR THE ANIMALS SING - USA - 50's

2009-04-13T11:09:00.004-03:00

Essa é mais uma anomalia cultural bizarra, filha dos experimentos
da música concreta e da manipulação de sons gravados em fita magnética.
Eu diria um momento fascinante na história da tecnologia do áudio, quando
sua novidade era tão interessante que era capaz de virar brincadeira de criança,
não apenas viagens eruditas para poucos.

Hoje, esse disco pode parecer singelo, mal feito ou simples de fazer, o que não é verdade.
Mort Goldberg, cuja profissão era "TAPE TECHNICIAN" da RADIO CBS
americana, com certeza suou muito a camisa pra realizar tecnicamente essa obra
bacana para as crianças dos anos 50.

O processo dessa técnica consistia em, primeiramente gravar os sons isolados
dos animais, em seguida acelerando ou desacelerando a gravação ele poderia
ter resultado de afinação cromática dos sons.
Até aí, parece fácil, o problema maior era editar tudo para parecer música, ou para
fazer música!
O resultado final é o que podemos gerar hoje em dia com o
equipamento conhecido como sampler. É exatamente o mesmo princípio, com a
diferença que nesse caso ainda não havia a possibilidade de executar os sons
preparados com um teclado, além, claro, que todo processo era totalmente
artesanal para se recortar e colar as fitas de rolo, o que devia matar de estresse
os técnicos operadores deste processo.
Nem precisa ser muito esperto para perceber que a chamada atrativa do disco
de fazer as pessoas ouvirem os bichos cantando se sustenta apenas no lado A do
disco, e o segundo lado se limita a ter um grupo de músicos e
cantores profissionais interpretando clássicos americanos sobre a vida nas
fazendas ou estórinhas infantis sobre bichos.
No fundo uma picaretagem completa orquestrada pelo produtor espertalhão
Jim Fassett que nem sequer dá crédito aos músicos intérpretes do lado B.
Pelo menos crédito foi dado ao garoto Andy Nasser que funciona como um ator
que contracena com os bichinhos cantantes no lado A.
Ele literalmente ensina a bicharada à cantar.
Acredito que este disco seja o registro da primeira vez que investiram nas novas
tecnologias de manipulação do áudio para arrancar uma grana da população e
explorando o interesse das crianças.

Pelo menos não se limita ao puro efeito do Chipmonks, de acelerar as vozes para
parecer vozes de bichinhos peludos ou de patinhos ou o que seja...
Bizarrice para dar com o páu.

ouça os bichos cantando aqui

club foot orchestra - wild beasts, kidnapped, and more - USA -1995

2009-04-01T00:05:00.006-03:00

O Texto deste post foi escrito pelo amigo Carlos Bêla e publicado em seu
blog aporias.
Como ele não costuma postar o disco inteiro, combinamos deu postar
aquí também, com o download full e com o seu texto completo.
Não deixe de conferir os outros posts geniais do Carlão em aporias!
Boa leitura e boa audição:

Jazz com grande influência de Rock ou Rock com doses cavalares de Jazz?
Big Band com cara de progressivo ou Avant-Garde mais acessível?
Frank Sinatra ou Frank Zappa? Possivelmente nos meados dos anos 80
um termo resumiria isso tudo: Avant-Prog.

Seja qual nome você queira dar pro som do Club Foot Orchestra, uma
coisa não dá pra negar: o grupo de músicos liderados por
Richard Marriot fez algo peculiar.

Marriot fundou uma orquestra em 1983 pra tocar regularmente no
The Club Foot, um point de músicos e artistas visuais na 2520 Third Street
em São Francisco, EUA. Nessa turma não entrava só virtuoso tocando partes
difíceis ou improvisando: os novatos músicos colaboravam com funções
simples, porém essenciais.

Falando dos temas musicais especificamente, como você pode escutar no
exemplo abaixo, a música era complexa sem assustar. Os metais tinham
grande importância na orquestração do som cheio de contrapontos culminando
numa mistura sem dogmas de jazz post-bop, easy-listening, rock, reggae, klezmer,
mariachi, clássico etc e artistas marginais da época como Carla Bley, Xavier Cugat e
Kurt Weill. Impossível, pra mim pelo menos, não lembrar de algumas fases do Zappa.

Dois foram os registros dessa época, lançados pela Ralph Records - e raríssimos
hoje em dia: Wild Beasts (1985) e Kidnapped (1987). E são esses álbuns, na íntegra,
que aparecem neste disco Wild Beasts, Kidnapped, and More lançado em 1995
(e em CD em 2007), com direito a mais 2 faixas extras.

Ou seja, pra quem quer conhecer o “Klezmer Paso Dobles” (Suerte de la Noche),
“Balkan Surf” (Entrance), “Dinosaur Story Avant-o-rama” (Innocent), “No-Wave meets the
Red Army Chorus on a cartoon bunny path” (Time Axe Bag Dad) do Club Foot Orchestra,
essa é a porta de entrada perfeita e fácil.

A banda, depois dessa fase, enveredou num meio bem interessante, porém distinto do
apresentado nesta coletânea: trilhas sonoras para filmes mudos. E não foram poucos:
O Gabinete do Dr. Caligari, Nosferatu, O Encouraçado Potemkin, Fantasma da Ópera,
entre outros além de releituras de Metropolis, Caixa de Pandora, etc

O grupo também compôs a trilha de 39 episódios do Gato Félix (The Twisted Tales of
Felix the Cat, 1995-1997), o que faz todo sentido, já que a sonoridade da banda tem
tudo a ver com desenhos animados.

pega aqui, ó

CAREQUINHA com a Bandinha de Altamiro Carrilho e Côro Infantil - Compacto - Brasil - 1975

2009-03-31T00:33:00.003-03:00

Você gosta de RRRRRRRRRRRRRRRock?
Esse é o Palhaço Carequinha.
Não é porque é disco de palhaço que é coisa mal feita, muito pelo contrário,
a banda que acompanha é simplesmente do Sr. Altamiro Carrilho, um dos maiores
gênios da música brasileira.
Os arranjos e as execuções são de primeira linha.

As letras desse disco são sensacionais, muito bem sacadas, quando não soa
algo bem comportado como "...minha escola é também o meu lar...".
Algo bem diferente das baixarias que as crianças aprendem a cantar hoje em dia.

George Savalla Gomes. Até para os mais atentos ao mundo musical e
televisivo fica difícil associar o nome de batismo ao nome artístico do pa-
lhaço Carequinha, considerado por muitos um patrimônio da cultura bra-
sileira. Foram vários os programas televisivos que comandou e 26 os dis-
cos que gravou. Por várias gerações entrou na casa de milhões de espectadores
com o bordão "Tá certo ou não tá?"

O velho palhaço, que morreu na ativa aos 90 anos, em abril do ano de 2006.
Essa é a minha homenagem à este grande artista brasileiro, que pra mim
é mais importante que outros palhaços como Caetano e Gil por exemplo...

Descabele o Palhaço

Mundo Estranho de PB - Jóias Preciosas - Brasil - 2009

2009-03-29T20:51:00.014-03:00

Essa é tipo uma eleição de 10 melhores músicas de todos os tempos
na minha opinião.
O que foi me vindo à cabeça fui ordenando e rippando de meus cds.

Um dos critérios foi não colocar nada baixado. Só colocar coisas que
eu comprei o cd.

O resultado foi uma coleção de pérolas preciosas devastadoras, cruéis
e sangrentas. Quem precisa de Heavy Metal ou Punk com músicas como essas?
Cuidado! Se você ouvir isso muito alto, pode sangrar sua orelha!
Mas não é que o repertório apela para o ruidismo indiscriminado, aliás,
nada tem de ruidismo aquí.
Todas as músicas são muito bem construídas, compostas e executadas.
Mas fica claro que a motivações delas vieram das vísceras e não da cabeça.
São obras vomitadas e sangradas.

Para dar uma imagem à isso, usei uma colagem criada por minha mulher
Adriana Peliano de uma gato que sangra rubis.
Essa imagem faz parte de uma série chamada: The White Cat.

tracklist:

01 - Haters/Mu
02 - Dissect Me Again/Meira Asher
03 - If I’m In Luck I Might Get Picked Up/Betty Davis
04 - Magic And Ecstasy/Ennio Morricone
05 - G-Spot Tornado/Frank Zappa
06 - Educacão/FM Einheit
07 - Ghost Rider/Suicide
08 - Your God/Dive
09 - Revenge Of The Black Regent/Add N To (X)
10 - De Futura/Magma

baixe essa jóia

SELDA compactos raros 45 rpm - anos 70/80 - Turquia

2009-03-28T22:28:00.008-03:00

Quando meu amigo Roberto Bellini ainda morava em Austin
no Texas, me mandou uma faixa de uma cantora turca que misturava
psicodelia com sintetizadores e música popular turca.
Lógico, pirei...
Ele tinha acabado de comprar uma coletânea que havido sido lançada
por um selo inglês chamado "Finders Keepers" e a faixa era YAYLALAR.
Desde então me mantenho um adorador da obra dessa mulher chamada
SELDA.

Eu nem sequer consigo escrever seu sobrenome, porque contêm
caracter inexistente no nosso, um "g" com acento circunflexo de cabeca para baixo.
Coisa de turco.
SELDA BAGCAN
Falando em turcos, tenho a honra de ter dois amigos incríveis, um criado
na Alemanha e outro de Istambul, o Cem Kaya e o Tan Kurttekin.
Ambos super artistas, o primeiro designer e diretor de filmes e o outro
um tremendo fotógrafo proficional.
Veja o trampo do Cem
Veja o trampo do Tan

Graças à estes dois amigos de primeira linha, tornei-me possuidor de
uma boa quantidade de compactos raros dessa cantora tão maravilhosa.
É muito tocante ouvi-la cantar.
Em geral os turcos não cantam bobagens nas letras, são normalmente
palavras bastante profundas.

A infeliz desconexão que nós brasileiros temos, culturalmente com o
povo turco, acaba por tornar esse "encontro" muito exótico, mais até
do que deveria.
Segundo as impressões que pude ter desses dois amigos, eles acham que
os brasileiros são muito parecidos com os turcos.
Expansivos, comunicativos e com um certo tom de "malandrões".
Claro, isso se tratando dos clichês...
A impressão que eles me passam também é que conhecem muito mais da nossa
cultura do que nós da deles.
Eles conhecem até as coisas mais obscuras da música brasileira.

Nesse caso, aquí vai um pequeno banho de música turca para os
brasileiros e ocidentais em geral.

Esses compactos não são exatamente da fase mais psicodélica dela,
mas essa fase pode ser ouvida no cd lançado pela Finders Keepers,
no qual recomendo veementemente.
Comprem ou tentem achar na Net.

O material que eu aquí selecionei é ainda mais exclusivo.

01 - Bad-I Sabah

02 - Eyvah! Gönül sana eyvah!

03 - Zalim sevgililer bu sözüm size!

04 - Topra...

05 - Yuh Yuh

06 - Dostum Dostum

07 - Tatli Dillim, Güler Yuziüm

08 - Bölemedim Felek íke Kozumu

09 - Bülbül

10 - Adaletin Bumu Dünya

11 - Dane Dane Benleri

12 - Askin Bir Ates

13 - O Güler

14 - ...berimde Gül Oya

Em considerações gerais eu digo que propositalmente mantive
o som dos compactos sem limpar os ruídos do vinil, para que
todos possam ter a noção da real sensação de ouví-los em
seu estado bruto.
Ao que parece eles são vendidos em baciadas e foram, até então,
muito mal tratados e sem nenhuma consevação.
Talvez alguns até possuíssem capas, mas essas se perderam com o tempo.
Eu gostaria de entender também porque tantos estão com o
título da música apagado. Parece algo proposital.
Algum amigo turco arriscaria uma opinião sobre isso?

pega aqui a selda

AS COISAS (estranhas) QUE EU GOSTO - Compilação - Brasil - 2009

2009-03-23T01:35:00.004-03:00

Mais uma das compilações mais bizarras da internet.
E agora "pegando pesado"

tracklist:

01 - as coisas que eu gosto/elis regina
Um autêntico registro da utilização do efeito chipmonks
justo num trabalho da que é conhecida como uma das
cantoras mais importantes do Brasil.

02 - o sole mio/topo gigio
Precisa mesmo falar alguma coisa?

03 - blindman/ringo star
Um Beatle fazendo uma coisa dessas? É bizarro, mas é mais
bizarro ainda a música ser boa. Reparem o loop eletrônico
desafinado que é basicamente a condução principal da canção.

04 - illusions/izhar cohen
Quem não curte um funkzinho Israelense?
Quem nunca dançou um groovezinho Judaico?

05 - a última voz do brasil/joelho de porco
Quem é Brasileiro entende essa.

06 - good vibrations/psychic tv
Pra quem não sabe, Genesis P. Orrige é super hyppie.
Acreditem se quiser...

07 - papai quadradão/joão roberto kelly
Obra prima de um dos maiores picaretas da música brasileira.

08 - quinteto de vientos/les luthiers
Grupo Argentino de primeira qualidade que costuma misturar
com muito humor virtuosismo e construção de instrumentos insólitos.

09 - doutor silvana/os pholhas
Clááássico!!!!! Grande Moog Track!!!!!

10 - adios/copacabana no tasogare
Japonês tentando fazer Bossa Nova tempos atrás?

11 - le cuple/erotíssima
Sexo e experimentação Psicodélica!

12 - hustler's tango/carole laure and lewis furey
Isso é bizarro! Musical com eletrônica e muito mais...

13 - oye este guaganco/mongo y la lupe
Outro grande clássico! Viva a música Cubana!!!!!

Péga aqui e assuma as consequências!

Miklos Rozsa - Heindorf/Dr. Samuel J. Hoffman - SPELLBOUND - USA - 1958

2009-03-22T13:04:00.004-03:00

Não se trata da versão oficial da trilha sonora do filme
de Alfred Hitchock, e sim um lançamento destinado
a valorizar mais a obra do compositor Miklos Rozsa
e obviamente destacar o arranjador Heindorf.
Mas o mais interessante é a presença indispensável
do solista Dr. Samuel J. Hoffman que com o seu
telento raro na época para executar o THEREMIN
horrorizava o inconsciente da platéia dos anos 50 e 60.
É muito legal quando o maestro, ou o próprio compositor
ou até mesmo o interprete resolve produzir um disco
mostrando a obra integral que foi produzida para um filme
revelando partituras que são tratadas sem relevância
para os holofotes que a industria cinematográfica destaca.
Muitas vezes as trilhas originais incluem diálogos que sobrepõem
a música tb.
Recentemente outra pessoal altamente expert em Theremin
fez algo exatamente igual, Lydia Kavina com a composição
de Howard Shore para o filme de Tim Burton "Ed Wood",
onde ela é a solista também.

No caso dessa obra de Rozsa eu acho que ele repete
demais o tema principal, mas com certeza isso deve ser
um recurso muito usado no cinema da época.

Aproveitem esse delicioso e raro presente!

spellbound aquí

TORTURA vol. 2 - USA - 1965

2009-03-21T11:22:00.007-03:00

Vamos deixar deixar uma coisa bem clara:
Este não é um disco de música!
Nada tem à ver com aquele papo de que tudo é música,
porque a intenção que ele foi feita é puramente fetichista
para uso de excitação ou incremento para o ato sexual.

Isso, disco para tarado!
Coisa feita pra quem tem tesão de bater ou apanhar.
Todo mundo sabe o nome disso...

Independente do fato de que eu não me interesso por isso,
o disco pra mim é muito interessante por vários aspectos.
Um deles é sob o olhar antropológico que, embora me vêem
muitas coisas em mente, não tenho vontade de explanar aquí,
mesmo porque este não é o foco do blog.

Mas uma coisa que sempre me pergunto quando eu vejo
um LP usado especial é:
"De onde vêio isso"?
"De quem era?"
"Como chegou ao Brasil?"

Nesse caso sei apenas uma parte da história:

A loja Nuvem Nove, que infelizmente não existe mais, comprou
num lote de alguém, e o amigo YUPO comprou na Nuvem Nove.
Assim sendo, o Yupo me emprestou, eu digitalizei e ofereço
à todos vocês.
Um verdadeiro troféu de bizarrice tanto para quem comprou
quanto para quem vendeu...

Sabemos também que esse tipo de disco era vendido em lugares
"especiais", como sex shopping por exemplo, ou ateliers de
sado-masoquismos.
Acho que não é à toa que o José da Nuvem Nove não se lembra
quem vendeu...

Bem, baixe, ouça e coloque bem alto na casa do pai no domingão,
e verás o efeito constrangedor que este disco pode causar.

Se realmente alguém bateu e apanhou pra gravar esse disco
é um enigma, mas que o som é convincente isso
ele é! Afinal, não é uma piada, ou não é música...

Torture-se com isso!
Tortura alternative repost
Tortura Repost 2

Anvil FX - Trilha para Desfile Jum Nakao SPFW - Jan 2003 - Brasil

2009-03-15T15:16:00.009-03:00

Este material foi produzido para ser trilha sonora para o desfile de
Outono/Inverno de 2003 do estilista Jum Nakao no São Paulo Fashion Week.
Na verdade eu produzí todos a trilha pra todos os desfiles do amigo Jum
apresentados no SPFW e em um anterior na Semana de Moda.

A trilha foi distribuída em cd para alguns convidados "chaves".

A proposta do Jum era se inspirar nos filmes de agente secreto
com doses de ficção científica dos anos 60 e início de 70.
A trilha mostra bem isso com suas referências e colagens.
Temos aqui citações de filmes como Enigma de Andromeda,
Charade e a obra musical de Raymond Scott e Les Baxter.
Claro que as composições remetem a obra de Morricone e
Mancini.

As vozes femininas que aparecem na trilha são
da incrível Audrey Hepburn no filme Charade.

A faixa de numero 4 na real foi extraída de um dos discos
de Leonard Nimoy (o da imagem acima).
Apenas acrescentei uns efeitos e um ritmo mas moderno.

O convite era de papelão duro e foi distribuído dentro de um bonito
envelope de papel vegetal vermelho que incluía o cartão de acesso
nas catracas do evento.
A Programação Visual deste convite e do CD foram desenvolvidas
por Mário Sader na LOBO DESIGN.

BAIXE AQUÍ

KRAFTWERK - Somewhere in Europe - Utrecht 1981/Paris 1976

2009-03-14T09:52:00.005-03:00

O pirata do pirata, é o que este vinil é!
Alguém bem espertinho relançou registros não oficiais de performances da banda
indo na onda da nova fase de apresentações deles, juntando com a nova onda de
interesse do público pela mídia do Vinil.

Ele reúne dois shows de épocas diferentes, um em 1981, fase Computer World
na cidade de Utrecht (Holanda, Países Baixos, a cidade culturalmente mais
ativa depois de Amsterdan), e outro em Paris em 1976 na fase do Autobahn,
cujo audio possivelmente foi extraído de uma transmissão de tv, pois possui
comentários entre as músicas.

Um vasto material não oficial de audio de shows pipocou no mundo inteiro vindo
de onde se apresentavam devido ao fato deles nunca terem lançado esse tipo de coisa
oficialmente antes dos anos 2000.
Como a produção de álbuns também sempre funcionou bem devagar, a sede que os
fãs tinham de conseguir mais e mais coisas era um pouco aplacada por estes discos
não oficiais, normalmente com qualidade questionável.

Ouvindo este material, dá pra observar que eles talvez se irritassem com o não
perfeccionismo de suas performances, diferenciado em muito do referencial dos discos.

Eu já acho este fato o ponto mais fascinante da carreira da banda, exatamente pelo
fator humano interferir em suas propostas de homens máquina.
Era uma época em que algo poderia acontecer de errado, uma nota fora, um deslize
rítmico, ou um timbre mal programado...
No show de Paris podemos ouvi-los afinando os instrumentos, o que é genial.

Mas, após anos e anos eles conquistaram a perfeição, o que significa que a performance
ao vivo é mínima e tudo fica em cargo das máquinas.
Mesmo reforçando a linguagem das projeções no palco, cada vez mais as coisas foram
ficando mais velhas e chatas.
Mas afinal, que máquinas são essas? É o mesmo PC que você tem em casa.
Puxa, como o computador perdeu o glamour, né?

O público, acostumado com os DJ's, que são tratados como músicos mas não deixam
de ser meros animadores de festa deliram ao ver 4 velhinhos no palco, e sem entender
o que eles de fato estão "executando" (musicalmente falando), se hipnotizam com a idéia
de estarem diante de ídolos que "inventaram a música eletrônica"...
Hã?... que merda é essa?
Kraftwerk é lindo, mas é só um elo da corrente, uma engrenagem importante, mas
infinitamente menos originais do que as pessoas imaginam.
Bem, quem acompanha os textos deste blog já entendeu isso à séculos.

Inventores ou oportunistas, o importante é que o trabalho é de alta qualidade.
Aproveitem para ouvir esse material antes de terem assistido ao show no Brasil,
que acontecerá no dia 22 de março de 2009.

Se alguém achar que eu não gosto da banda por causa do texto se engana,
pra mim foi a banda mais importante de todas por ser a primeira coisa
que me fez interessar por música na vida, desde minha infância, e este
caminho musical no qual segui, me ensinou à admirar o trabalho de meus artistas
queridos de forma reflexiva e na maioria das vezes iconoclasta.

Sim, meus Beatles foram o Kraftwerk!

péga aquí, ó